Todo eso cambió cuando la Kyoto Seika University inauguró la primera Facultad de Manga, en abril del año 2006.

La Facultad de Manga

La Kyoto Seika University fue la pionera en reorganizar su facultad de arte para incluir, formalmente, los estudios de manga y animación como una carrera más dentro de su oferta. Dicha facultad de arte de desprendió de sus cursos dedicados al cómic, entregándoselos a la Facultad de Manga, que incluye los departamentos de Cartoon Art y Comic Art. Posteriormente, se agregaron los cursos de Manga Production y Animation. Esto abrió las puertas a muchos japoneses que contaban con el talento y la intención necesarias para convertirse en artistas de manga y no sólo en mangakas profesionales, sino que también en asistentes, editores y productores. Es decir, todos los profesionales que la industria del cómic japonés requiere.

La Facultad de Manga de la KSU comenzó ofreciendo un programa de pre-grado, que contaba con casi 600 alumnos en su primer año de creación. De esos alumnos, 169 eran hombres, 396 eran mujeres y 45 eran alumnos extranjeros. En cuanto a los profesores, el equipo incluía a la creadora del manga Chikyuu He, Keiko Takemiya, el creador de Kodomo no Koro, Akira Saso, y el antropólogo cultural y traductor de manga Matt Thorn.

Con el pasar del tiempo, la facultad ha ido creciendo e incorporando un programa para estudiantes de investigación, estudiantes de intercambio y, su más reciente adición, un programa de post-grado para obtener un Magíster en Manga.

El Magíster

Según el sitio web de la universidad, ésta pretende lanzar un Magíster en Investigación de Manga a comienzos del año académico de 2010, en la primavera japonesa.

Los exámenes de admisión para este nuevo programa de post-grado – el primero de todo Japón – comenzarían en febrero del próximo año y se supone que éstos seleccionarán a los 20 alumnos que podrán comenzar este magíster en 2010.

Si bien es cierto la universidad ya ofrece algunos cursos relacionados con el manga y su producción dentro de sus programas de post-grado en las facultades de Humanidades y Artes, este nuevo Magíster en Investigación de Manga será el primero en depender exclusivamente de la Facultad de Manga y se espera, por ello, que sea mucho más especializado.

Las clases del programa de post-grado, al igual que las de pre-grado y otros cursos, son todas en japonés. Pero si sueñas con ser mangaka y realmente estás decidido a trabajar por ello, puede que la KSU sea tu futura alma mater.

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• Fuente: Kyoto Seika University Official Website

• Nombre: Takehiko Inoue
• Fecha de nacimiento: 12 de enero de 1967
• Signo Zodiacal: capricornio
• Gran pasión: baloncesto
• Ocupación: mangaka

Biografía

Nace el 12 de enero de 1967 en la prefectura de Kagoshima. De niño tenía un sueño: ser estrella del baloncesto; se pasaba las tardes mirando a sus amigos jugar al baloncesto mientras él realizaba sus primeros dibujos manga. Mientras estudia en la universidad se convierte en ayudante del mangaka Tsukasa Hojo, creador de City Hunter.

Debuta en 1988 con una historia corta, Kaede Shime, por la cual recibe el prestigioso Premio Tezuka. Sus comienzos no podían ser más prometedores. A continuación, le seguiría Chameleon Jail, obra en dos volúmenes publicada en 1989, y tras ella, Inoue retoma su gran pasión, el baloncesto, creando Slam Dunk, con la cual conocerá el éxito a nivel internacional. Comienza a publicarla en 1991, a través de la editorial Shueisha, concretamente en la revista Shukan Shonen Jump. Para Inoue, el baloncesto es toda una escuela de via y así lo refleja en esta obra, desarrollando en ella todo un repertorio de emociones humanas. Slam Dunk se convierte en manga de culto en Japón, superando los cien millones de ejemplares vendidos. Takehiko Inoue, agradecido a sus lectores, publica un anuncio en varios periódicos importantes para dar las gracias a éstes por su fidelidad.

En 1998 surge Vagabond, donde narra la historia de un samurái emblemático dentro de la historia popular japonesa, Miyamoto Musashi. En este manga es más evidente la intención de Inoue de transmitir un mensaje de concienciación a su público. Tacharon la obra de violenta en extremo, a lo cual él respondió “No disfruto dibujando a personas que se dedican a matar. Sólo quiero dibujar a los seres humanos tal cual son (…). Quiero que mis dibujos expresen el dolor y la gravedad de la muerte“.

Estando todavía con la serie de Vagabond, Takehiko Inoue comienza una nueva saga deportiva, Real, donde vuelve a su deporte favorito, esta vez con la particularidad de que los jugadores están discapacitados. A Inoue le gusta ponerse en la piel de sus personajes, así que se compra una silla de ruedas para intentar saber como se sientes los jugadores paralíticos. Él mismo ha dicho al respecto: “el papel del mangaka es hacerse eco de los sueños de todos los que no se conforman con la realidad, incluso si esos sueños llevan a veces a la desilusión“.

Estilo Inoue

Su estilo es personal, original con mayúsculas, siendo perfectamente reconocibles sus ilustraciones. Pone un especial cuidado en la realización de las escenas deportivas, rodeándolas de espectacularidad y acción. Domina la anatomía humana y el movimiento, para este último es decisivo el uso que hace de las cinéticas, llegando en algún momento a prescindir de ellas para crear la sensación de cámara lenta. En otras secuencias hace uso de un efecto cinematográfico de aproximación por planos, consiguiendo un increíble efecto de movimiento, de emoción y de suspense.

Más allá del manga

Al igual que su buen amigo Naoki Urasawa, Inoue tiene otra pasión aparte del manga, el baloncesto. Bajo su estudio ha mandado construir una enorme pista de baloncesto que no tiene nada que envidiar a las de la NBA, y en ella se desahoga un rato todos los días.

Otra faceta poco conocida del autor son sus trabajos como ilustrador publicitario para la marca de cosméticos Shisheido.

El humanismo de este mangaka, lo han convertido en uno de los dibujantes más comprometidos del manga comercial.

OBRAS DESTACADAS:

• Kaede Shime (1988)
• Chameleon Jail (1989)
• Slam Dunk (1991)
• Vagabond (1998)
• Real

PREMIOS:

• Premio Tezuka, por Kaede Shime (1988)

• Nombre: Naoki Urasawa
• Fecha Nacimiento: 2 de enero de 1960
• Signo zodiacal: capricornio
• Lugar de Nacimiento: Tokyo
• Gran Pasión: el rock
• Ocupación: mangaka

BIOGRAFÍA

Naoki Urasawa nace el 2 de enero de 1960 en Tokyo. Durante su época de instituto reparte su tiempo libre entre el manga y la música. Posteriormente se licencia en económicas por la Universidad de Meisei, y comienza a escribir manga. En 1982 se le otorga el “Premio al mejor mangaka” de Shogakukan, una de las tres grandes editoriales japonesas, y a partir de ahí comienza su carrera como profesional del manga. 1983 es el año en el que ve la luz su obra debut, Beta, una historia de ciencia ficción. Su colaboración en 1984 con Kazuo Koike en la obra Pinneaple Army (donde se narran las aventuras de Jedd Goshi, ex-combatiente del Vietnam, que forma parte de Civilian Military Aids, grupo antiterrorista) le supone su primer contacto con el éxito. Yawara (Ginger en Occidente) aparece en 1987, convirtiéndose en su primera obra importante que lo da a conocer a nivel internacional. Por esta obra (inspirada en la vida de Isao Inokuma, judoka japonesa que ganó la medalla de oro en los Juegos Olímpicos de Tokyo en 1964) se le concederá el “35º Premio Shogakukan” en 1990. En 1988 comienza Master Keaton, con guión de Hokusei Katsuhika, manga que realiza simultáneamente a Yawara. En 1999 recibe el galardón más prestigioso de Japón, el Premio Tezuka, por su manga Monster, inquietante thriller de gran fuerza narrativa. El talento de Urasawa llega a su cénit con Nijûseiki Shonen (20th Century Boys), obra madura donde los recuerdos de infancia de sus protagonistas son la clave para desenmascarar a un terrorista que pretende destruir la Tierra. Inicia, en 2004, Pluto, retomando un antiguo personaje de Osamu Tezuka, una apuesta arriesgada que ha tenido enorme éxito en Japón.

Mas allá del manga

Naoki Urasawa tiene su corazón dividido entre el manga y el rock. Siempre ha querido ser un gran guitarrista, por ello no es de extrañar que en su lujosa casa, situada en la parte alta de Tokyo, haya acondicionado un local de ensayo, donde se aisla cada día para dejar escapar sus emociones a través del sonido de su guitarra. Él mismo confiesa “mi sueño sería sacar un álbum, pero tendría que encontrar una discográfica que quisiera producirlo“. Su mayor tesoro es una guitarra dedicada por los Rolling Stones.

Estilo Urasawa

Urasawa mantiene un alto ritmo de producción que no por ello va en detrimento de la calidad de guiones o ilustraciones. Es habitual en él el compaginar la publicación de dos series a un mismo tiempo. En parte, esto es posible gracias a su equipo de asistentes, siempre bajo su supervisión contínua.

Con un estilo más bien clásico, si algo hace resaltar sus historias son sus excelentes guiones, que lo han convertido en referente internacional en cuanto al thriller (Monster recibió el “Premio al Mejor Guión” en el 2003, en el Festival de Angulema, y 20th Century Boys el “Premio a la Mejor Serie” en el 2004, también en el mismo festival). Engancharse a sus obras es tan fácil como leer tan solo el primer capítulo de las mismas, pues consigue despertar el interés y la curiosidad del lector dejándolo siempre deseoso por conocer la continuación de la trama. La escenografía de sus viñetas se dibuja con especial cuidado para no romper el ambiente de intriga, con golpes de efecto en el final de cada episodio, confiriendo toques inquietantes a sus obras. Urasawa da muestras de una especial habilidad en el diseño de las facciones de sus personajes, sencillas pero con personalidad propia aún así, dominando un amplio repertorio de expresiones destacable en particular en el transcurso de los diálogos.

En tan sólo 10 años, Kurasawa ha conseguido que lleguen a considerarle el nuevo Dios del Manga, encendiendo con sus mangas pasiones que van más allá de la moda del momento.

OBRAS MÁS DESTACADAS:

• Beta (1983)
• Pinneaple Army, con Kazuo Koike, (1984)
• Yawara (1987)
• Master Keaton, con guión de Hokusei Katsuhika,  (1988)
• Monster
• Nijûseiki Shonen (20th Century Boys)
• Pluto (2004)

PREMIOS:

• Premio al mejor mangaka, Shogakukan (1982)
• 35º Premio Shogakukan, por Yawara (1990)
• Premio Tezuka, por Monster (1999)
• Premio al Mejor Guión, Festival de Angulema, por Monster (2003)
• Premio a la Mejor Serie, Festival de Angulema, por 20th Century Boys (2004)

FICHA:

• Nombre: Jirô Taniguchi
• Fecha de nacimiento: 12 de agosto de 1947
• Signo zodiacal: Leo
• Ocupación: mangaka

BIOGRAFÍA

Jirô Taniguchi nace tal día como un 12 de agosto de 1947, en Tottori. Desde siempre tuvo claro que quería ser mangaka, así que nada más acabar sus estudios en el instituto se dirige a Tokyo. Una vez allí, comienza a trabajar como asistente para otros mangakas (uno de ellos Kyôta Ishikawa), aprendiendo las técnicas y secretos del mundillo.

En 1970 pública su primera obra de creación propia, Kareta Heya (La habitación árida) en Young Comic, de la editorial Shonen Gahosha. Posteriormente, en 1976, comienza lo que sería una larga colaboración profesional con el guionista Natsuo Sekikawa, realizando varias historias del género policíaco, entre las que destaca Hotel Harlbour View (1980) en la que se entreveé la madurez del estilo Taniguchi, detallista y de ritmo pausado. La culminación de esta estrecha colaboración será Bochan no Jidai (La época de Botchan), obra maestra en la que se recrea, a lo largo de cinco volúmenes, una parte de la historia de la literatura nipona, llamando sus ilustraciones la atención de público y crítica.

En la década de los noventa, sus trabajos se vuelven más profundos y personales. A esta etapa pertenecen obras como Blanco (1990) o Arukihito (El caminante, 1990), este último editado en un sólo volúmen supone un hermoso ejemplo de su personalidad nipona, su narrativa es sobria, minimalista en texto, pues todo queda expresado en los gestos del personaje con una maestría tal que uno se involucra y ve todo a través de los ojos del protagonista. En 1995 se publica Chichi no koyomi (El almanaque de mi padre), estupenda y enternecedora historia donde el personaje principal conoce a su padre mediante una retrospectiva de recuerdos que surgen durante el funeral.

ESTILO TANIGUCHI

Maestro del manga costumbrista es una clara referencia para los nuevos autores de cómic. El suyo no es un típico manga; tiene una forma especial de transmitir los sentimientos de sus personajes, así como el paso del tiempo a través de un poético juego de luces y sombras. El silencio es vital en su obra, además del diálogo interior; en las conversaciones recurre a menudo al plano y contraplano, alternando panorámicas con la voz en off.

Es uno de los mangakas más europeos, de hecho él mismo reconoce estar influído por la obra de Moebius o Crespin, pero también es un embajador de su Japón natal, al cual recrea como pocos, intentando que el público occidental entienda mejor y quiera más al país nipón por el cual él siente tanto cariño que desborda de su plumilla y queda reflejado en sus historias. Humilde y tímido, declara “el simple hecho de poder dibujar lo que me gusta basta para que me sienta satisfecho“.

OBRAS EN ESPAÑOL:

• Barrio lejano (Ponent Mon)
• El almanaque de mi padre (Planeta Agostini)
• El caminante (Ponent Mon)
• El rastreador (Ponent Mon)
• El olmo del cáucaso y otras historias (Ponent Mon)
• El viajero de la tundra (Ponent Mon)
• Hotel Harbour View (Planeta Agostini)
• La época de Botchan (Ponent Mon)
• TIerra de sueños (Ponent Mon)

PREMIOS:

• 1992: Premio Shogakikan Manga, por Inu wo kau.
• 1998: Premio Osamu Tezuka Culture Award, por Bochan no Jidai.
• 1999: Premio a la Excelencia del Festival de Artes Mediáticas de la Agencia de Asuntos Exteriores, por Harakuna Machi E.
• 2001: Premio a la Excelencia del Festival de Artes Mediáticas de la Agencia de Asuntos Exteriores, por Kamigami no Itadaki.

Rompiendo estereotipos

Hoy en día, la frontera entre lo comercial y lo underground comienza a desaparecer, pues el mercado es amplio y hay cabida para todos. Sin embargo, todavía hay mucha gente a la que le resulta sorprendente la forma en que algunos de estes artistas, no dispuestos a realizar concesiones, se convierten en iconos de culto y tienen un gran éxito comercial sin por ello haber comprometido su estilo en el proceso.

Muchas, por no decir todas estas historias, rompen los estereotipos, tanto en grafismo como en narrativa, dejando a los lectores descolocados en ocasiones. Es el impulso natural, a causa de una educación sistematizada, lo que nos lleva a buscar un sentido a las imágenes o palabras, acostumbrados a que éstas sean de una determinada forma o se combinen de una determinada manera… Cuando vemos algo que se sale de estos convencionalismos pueden pasar dos cosas a partir del primer momento de desconcierto: puede encantarnos o todo lo contrario, probablemente va en relación con la capacidad de cada uno para mantener la mente abierta a nuevas propuestas estéticas y literarias.

Garo

Para estes artistas del manga y para los lectores que buscan originalidad extrema, existen publicaciones como Garo. Probablemente, en sus inicios, Garo no pretendía ser una especie de laboratorio experimental para artistas “rebeldes” y sus obras, sin embargo, a partir de 1960, acabó convirtiéndose en un referente dentro del cómic underground, acogiendo en sus páginas las obras “excéntricas” y experimentales que no habrían tenido cabida en otro lugar. Estilísticamente, todo parecía posible. Emiko Shimoda, uno de estes mangakas, declaraba en una entrevista: “a todos nos frustraba enormemente, incluso dentro del mundo del arte, que prevaleciera la idea de que el ‘arte’ tiene que ser bello y estar bien elaborado“.

Libertad

Se buscaba libertad para que cualquier tema puediera ser contado a través de un manga, sin tabúes, sin cadenas restrictivas, sin gustos que complacer. Todo esto coincidió con movimientos globales paralelos que planearon durante las revueltas de 1968. En 1970 se fundaron pequeñas editoriales dispuestas a desafiar las convenciones existentes; éstas tenían constantes problemas con las autoridades y algunos grupos de ciudadanos, pero este mismo hecho los reafirmaba en su condición de rebeldes del manga.

Como apunte final, hacer eco del manifiesto que Garo lleva impreso en la portada de cada una de sus revistas; “El MANGA debe ser independiente, el MANGA debe ser abierto, el MANGA debe ser experimental“.

• Nombre: Masakazu Katsura
• Fecha de Nacimiento: 10 de diciembre de 1962
• Signo Zodiacal: sagitario
• Grupo sanguïneo: A
• Ocupación: Mangaka e Ilustrador.

BIOGRAFÍA:

Masakazu Katsura nace el 10 de diciembre de 1962 en la prefectura de Fukui. Sus comienzos dentro del mundillo manga fueron una casualidad, pues, según cuenta él mismo “cuando estaba en la escuela intermedia quería comprar un equipo de alta fidelidad Technics V55 que costaba unos 500.000 yenes. Por aquel entonces, Jump Comics organizaba el premio Tezuka, dotado con 500.000 yenes, así que, en realidad, comencé a dibujar para conseguir el premio“. No consiguió ganar el premio Tezuka hasta tres años más tarde, cuando estaba finalizando sus estudios en el instituto, con la obra Tsubasa.

Su obra debut fue Tenkosei wa hensouse!?, con la que fue finalista en el premio Tezuka. Por aquel entonces ya estudiaba Bellas Artes. Contrariamente a lo habitual, Katsura comienza directamente como autor de manga, en vez de como asistente, que es lo más habitual. En 1986 pública en Shônen Jump su primera obra importante, Wingman, donde el protagonista es un universitario convertido en superhéroe a pesar suyo. Se adentra en la comedia romántica por sugerencia de su editor, así que en 1989 aparece Video Girl Complete Story, obra predecesora de Video Girl Ai, con la que alcanza la fama (1990) y gracias a la cual le surgen trabajos como diseñador de personajes para videojuegos o series animé, como por ejemplo Zeiram. Sus siguientes trabajos fueron Shadow Lady (1993), DNA2 (1993). M (1996), y Zetman (1994). En 1999 sale al público otro éxito suyo, I’’s, comedia romántica con una gran calidad en ilustraciones. Actualmente ha retomado a Zetman, personaje creado inspirandose en Batman, del que es un apasionado coleccionista.

ESTILO KATSURA

El dibujo de Masakazu Katsura es cuidado y minucioso, entre realista y estilizado. Todo un perfeccionista que, según sus propias palabras “cuando veo una ilustración o un diseño de otro autor que me impresiona, me doy cuenta de que aún tengo que mejorar mucho. Siento que, comparado con otra gente, aún no he madurado del todo. Un día espero poder dibujar manga ‘de verdad’“… dibujando como dibuja, ¿a qué se referirá con dibujar ‘manga de verdad’?.

Realiza un impecable trabajo con las tramas y cuida hasta el más mínimo detalle, tanto en fondos, objetos o personajes. Si en otros autores es habitual el alternar el nivel de acabados de las páginas de sus mangas a causa de los plazos de entrega, Katsura mantiene en todo momento un alto nivel de calidad, sin altibajos en las páginas. Prefiere utilizar tablas a papel, los lápices de distintos grosores, las tintas Ruma, Gash y Rikitek. Como modelo para sus sensuales protagonistas busca referencias en las revistas de moda.

A Katsura le gusta compartir méritos con sus asistentes, por dicho motivo siempre firma sus obras con el seudónimo Estudio K2R.

OBRAS:

• Gakuen Buntai 3 Parokan (1981)
• Tenkousei wa Tenhousei!? (1981)
• Natsuni Suzumi (1982)
• Akini Suzumi (1982)
• Wingman (1983)
• Tsubasa (1984)
• Gakuen Buntai 3 Parokan II (1984)
• Voguman (1985)
• Choikido uni vander (1985)
• Suzukaze no Panteon (1986)
• Kana (1986)
• Present from lemon (1987)
• Chisana Akari (1988)
• Entrance (1988)
• Shin-no-shin (1989)
• Video Girl (1989)
• Shadow Lady (1992)
• Woman in the man (1993)
• DNA2 (1993)
• Zetman (1994)
• M (1996)
• I’’s (1997)

PREMIOS:

• Premio Tezuka por su obra Tsubasa.

El dibujante de manga amateur tiene distintas alternativas para conseguir publicar su obra y aquí damos alguna idea al respecto.

Academias y cursillos

Desde luego, lo primero siempre es tener una buena base de la cual partir, y se consigue a fuerza de practicar mucho además de asistir a alguna escuela de manga o cursillo. En Japón, una de las más conocidas es Gekiga-sonjuku, fundada por el guionista Kazuo Koike y por la cual han pasado alumnos como por ejemplo Rumiko Takahashi.

Concursos

Una buena alternativa para los dibujantes de manga amateurs son los concursos que organizan anualmente las principales editoriales manga, esperando descubrir nuevos talentos para sus revistas. Decir al respecto que no son pocos los mangakas profesionales que debutaron profesionalmente gracias a dichos concursos. Solo hay que ser perseverante y no rendirse fácilmente.

Dôjinshi

Sin embargo, la principal forma de que un aspirante a mangaka dé a conocer su obra es a través de los fanzines o dôjinshi, de los cuales han surgido mangakas como Kenichi Sonoda, Clamp o Kosuke Fujishima entre otros. Este tipo de publicaciones realizadas por aficionados surgieron hacia mediados de la década de los 60. En los comienzos de los 70, los dôjinshi comenzaron a ser más numerosos, influído tal hecho por la aparición de las fotocopiadoras, además de la crisis económica mundial del 73, que tuvo como una de sus consecuencias, las restricciones en las editoriales, mermando las oportunidades de publicar a los mangakas amateurs. Dicho aumento en este tipo de publicación tuvo como resultado la creación del Comiket (evento del cual hemos hablado en otro de nuestros artículos).

El éxito del Comiket supuso la aparición de otros mercados similares para aficionados al manga, destacando entre ellos Comic City, el cual fue suprimido en 1994 a causa de la censura.

Existen revistas que informan sobre publicaciones dôjinshi (por ejemplo Comic Box) y sobre encuentros entre otakus. Comickers es otra de estas revistas destinadas al aspirante a mangaka, que incluye en sus páginas entrevistas a mangakas consagrados y consejos sobre la realización de manga.

Dentro de los dôjinshi, el género más extendido es el aniparo (contracción de animation parody), que consiste en la parodia erótica de series manga famosas. La mayoría del contenido de un dôjinshi gira en torno a este género, lo cual podría verse como una falta de imaginación por parte de los creadores de dôjinshi.

Con su lado positivo y su lado negativo, el dôjinshi es un negocio al que la propia industria del manga y animé no puede dar la espalda.

Algunos de estes mangakas tienen su propio estudio (Bird Studio de Tokira Toriyama, Dynamic Productions de Gô Nagai, Studio Tron de Kia Asamiya, Saito Productions de Tadao Saitó, etc…) llegando a tener 20 empleados o más. Estos ayudantes realizan tareas tales como recuadrar viñetas, entintar dibujos, recopilar información,… ¡¡incluso preparar la comida para todo el personal!!.

El editor

Si hay alguien importante para un mangaka es el editor; es su agente, su asesor, hasta hace la función de padre “adoptivo” en algunos casos, e incluso alguna vez esta relación ha llegado a boda.

Ciclo de trabajo

La rutina semanal de un mangaka suele consistir en:

• Lunes: reunión con el editor para acordar la entrega semanal.
• Miércoles: entrega de bocedtos a lápiz para aprobación.
• Viernes: entrega de las páginas para su maquetación.

Y así semana tras semana, dibujando incansablemente… Como anécdota contaros algo increíble y es que en caso de retraso en la entrega, algún editor ha llegado al extremo de encerrar al mangaka para que termine las páginas exigidas.

Como podeis ver, el trabajo del mangaka no es nada fácil, quizá por eso no es de extrañar que alguno de ellos, tras alcanzar el éxito, se retiren. Toriyama, autor de Dragon Ball, cesó en 1995; Yoshihiro Tagashi, autor de Yû Yû Hakusho, se había retirado un año antes. Cuando alguno de éstes artistas pone fin a su serie de éxito, esta no es continuada por otro dibujante, como suele ocurrir en occidente.

El taller del mangaka

Para un fan del manga, el taller de un mangaka suena a santuario, un templo, un lugar de adoración. Es difícil, por no decir imposible, que un mangaka deje entrar a un extraño en su taller, de hecho no es raro que guarden su ubicación como el mayor de los secretos.

Dicho taller es un lugar de intensa actividad, donde la organización es extremadamente importante para poder cumplir con los plazos de entrega. El trabajo se organiza cada día, teniendo en cuenta hasta el más pequeño de los detalles. Normalmente, el mangaka define primero con el editor la orientación de los capítulos de la serie para a continuación elaborar los apuntes y la historia que desarrollará en ellos; después entran en acción los ayudantes.

Para muchos de éstes mangakas, sus ayudantes son como de la familia, al fin y al cabo son muchas las horas que pasan juntos, más que con la propia familia.

• Nombre: Frédèric Boilet
• Fecha de nacimiento: 6 de enero de 1960
• Lugar de nacimiento: Épinal (Francia)
• Ocupación: dibujante, escritor, y editor mangaka.

BIOGRAFÍA

Este artista francés comienza su carrera con 18 años, realizando estudios de bellas artes. Con 23 años pública su primer cómic, “La nuit des Archées” (1983). Poseesor de talento tanto para el dibujo como para la escritura, combina ambos en dos obras: “Les veines de l’Occident” (Las venas de Occidente) y “Le rayon vert” (El rayo verde/1987). En 1990 publica “3615 Alexia” con la editorial Ego Commex, famosa por la calidad de sus publicaciones; en este trabajo, Boilet desarrolla su tendencia a la autobiografía.

Gracias a una beca viaja por primera vez a Japón y de este viaje surge “Love Hotel” (1993), manga publicado en Francia con gran éxito de crítica en el cual realiza un mestizaje entre manga y cómic europeo. Esta obra es una de las mejores muestras del talento de Boilet, donde desarrolla un trazo fino y preciso y todo su conocimiento del cómic mezclado con autoficción (datos autobiográficos). Explora el inconsciente coléctivo japonés analizando en tono suave pero mordaz las diferencias culturales entre Japón y Europa.

De camino a Oriente

Tras “Love Hotel” emprende su aventura nipona, convirtiendose en 1994 en el primer artista occidental que recibe una beca de un editor japonés, Kodanska, colaborando en Comic Morning, revista para adultos. A partir de ese momento, Frédèric Boilet vive como cualquier otro mangaka en el centro de Japón. Dedicará tres años a la elaboración de una de sus más bellas obras, “Tokio es mi jardín” (1997), contando con la colaboración de sus amigos Benoît Peeters y Jiro Taniguchi. En ese mismo año, 1997, instala su domicilio en Tokio y trabaja para varias revistas de prepublicación (Big Cómic, Furansugo Kaïwa, Manga Erotics, etc…), desarrollando en ellas su humor biográfico.

Íntegrado totalmente en el universo editorial japonés, contribuye a exporta a Europa a los autores de “la manga” en su trabajo como editor, principalmente para la editorial Casterman. Al tiempo, continúa con sus creaciones intimistas con “La espinaca de Yukiko” y “Mariko Parade” (2003), esta última con la colaboración de Kan Takahama.

En el año 2001, Boilet se ha convertido en el portavoz de la distinción entre “la” manga y “el” manga, fundando el movimiento “La nouvelle manga” y firmando un manifiesto donde se propone aclarar la posición de ciertos mangakas en la producción nipona, reafirmando su voluntad de crear un vínculo entre el cómic europeo y “las” mangas de autor. Según sus propias palabras “la nueva manga sería la expresión de esta connivencia, la prolongación franco-japonesa del cómic de autor francés y el cómic de autor japonés. Frente a las iniciativas de editores y librerías de importación, que se pervierten inevitablemente traduciendo series de éxito sin criterio alguno, se trata de una iniciativa de autor para crear puentes entre los dos géneros y presentar a los lectores lo mejor de los cómics europeos y de los mangas“.

Frédèric Boilet se ha convertido en un autor de gran reconocimiento internacional, apreciado por la crítica y por sus compañeros del mundillo.

OBRAS:

• La nuit des Archées (1983)
• Les veines de l’Occident
• Le rayon vert (1987)
• 3615 Alexia (1990)
• Love Hotel (1993)
• Tokyo es mi Jardín (1997)
• La espina de Yukiko
• Mariko Parade (2003)

MOVIMIENTOS:

Fundador del movimiento “La nouvelle manga” (2001)