En un artículo anterior, el correspondiente al manga histórico, mencionábamos que éstes en Japón se denominaban Jidaimono, pues bien, este término también abarca las historias de samuráis, al fin y al cabo, la historia de este país está profundamente ligada al periodo feudal.

La palabra samurái proviene del término “saburai” (servidor). Un samurái sin señor se denomina “ronin“, cuyo significado es “hombre ola“, equivalente a “hombre a la deriva“. Por otra parte, el término ninja significa “hombre que actúa en secreto“. Estes tres tipos de personajes son la esencia del Jidaimono.

Un poco de historia

Las historias de samuráis se encuentran en el mismo origen del manga. Los primeros mangas de samuráis, dirigidos especialmente a un público infantil, fueron muy populares en las décadas de los años 30 y 40. Tras la guerra y las limitaciones que ésta supusieron para el manga, en los años 50 vuelven a ponerse de moda las historias de samuráis. Un ejemplo de ello es Dodoro de Osamu Tezuka, o Akado Suzunosuke de Tsunoyoshi Takeuchi. Una forma de acercar a los niños el pasado de su país y al tiempo inculcarles valores como la honradez, la fuerza y la voluntad.

A principios de los años 60, el género se renueva con la aparición de nuevos talentos que crearían obras como Ninja Bugeicho de Sanpei Shirato, una historia para nada infantil en la que se hacen explícitas descripciones de la violencia social de la época de las guerras civiles. De la unión de los talentos de Kazuo Koike y Goseki Kojima surge Kozure Okami (Lone Wolf and Cub, 1970) donde a través de 8.000 páginas nos involucramos en la historia del ronin Itto Okami y su hijo Daigoro y su búsqueda de venganza por la muerte de su esposa. Este tipo de historias alcanzan enseguida la popularidad con lo cual su versión animé no se hizo de mucho esperar.

La figura del samurái

El estereotipo de samurái es el de un noble guerrero cuyas únicas posesiones son sus armas; lo rodea un aura mítica de rectitud y honor; desprecia el peligro, siempre en disposición de cumplir con su deber por encima de todo, incluso de su propia vida. Lo peor que puede ocurrirle a un samurái es fallarle a su señor feudal o perder su honor. Si tales cosas ocurriesen, éste se convertiría en un ronin, una mezcla de vagabundo y forajido… Vagabond es un buen ejemplo de ello.

En el manga, la imagen del samurái ha ido evolucionando y adaptándose a los nuevos tiempos; los samuráis se vuelven más humanos y por momentos, hasta simpáticos. El tratamiento de las historias de samuráis han llegado a abarcar desde lo humorístico a lo fantástico, buscando ampliar su ambientación más allá de la época feudal y abriéndose a un campo de inspiración mayor, donde todo puede llegar a ser posible. Algunos ejemplos al respecto podrían ser Samurái Champloo, Ruroni Kenshin de Nobuhiro Watsuki, Shinsengumi Imon Peacemaker de Nanae Kurono, Kaze no Shu-Yagyu Jubei de Kan Furuyama y Jirô Taniguchi, o Mugen no Junnin de Hiroaki Samura.

A raiz del Gran Terremoto de Kanto, que destruyó en gran parte el estudio Kitayama, los productores que habían trabajado allí hasta entonces, tales como Murato Yosuji, Kimura Hakuzan, Yamamoto Sanae y Ofuji Noboro, intentaron crear en solitario nuevos estudios más pequeños que les permitieses triunfar individualmente.

Segunda Generación

En ésta época cabe destacar las primeras leyes que protegían a los niños contra el contenido adulto. Muchos animes fueron calificados como no aptos para niños de menos de 15 años y los films animados con caracter educativo fueron promovidos y financiados en parte por el Gobierno de Educación nipón, que invirtió una cantidad considerable de dinero en este fin.

En los años 30, el gobierno japonés comenzó a promover la cultura nacional y a censurar los medios de difusión que podían influir en la población. Un arma del gobierno para crear este sentimiento patriótico fue el anime, que a cargo de los guionistas, presionados a su vez por las fuerzas políticas, comenzó a tomar un aspecto de herramienta gubernamental.

II Guerra Mundial

Sólo tres grandes estudios sobrevivieron en esta época, sus películas, se estrenaban en los Nuevos Cines para inclinar a los espectadores al apoyo del país.

Disney también influyó en el anime durante estos años, pero empleó medios demasiado caros para los animadores japoneses, que no estuvieron a su alcance hasta unos años más tarde como por ejemplo la cinta de sonido.

Hasta los años 30, los cines fueron los que financiaron las pequeñas productoras, pero con la llegada de la guerra esta situación dio un giro. Los militares comenzaron a ceder dinero que se empleó en proyectos mayores de los que había habido hasta entonces pero que, a cambio, en muchos de ellos, en la trama, los japoneses ganaban a las fuerzas enemigas.

Mitsusyo Seo

Los estudios Kenzo Masaoka contataron en 1033 a Mitsusyo Seo, dibujante que destacaba principalmente por la rapided de entrega de sus obras, decisiva en muchos casos como en su trabajo en “Chikara to onna no yo no naka”. Seo se independizó de los estudios pero no se fue con las manos vacías. Tras aprender la técnica de sonorización, creó él mismo su primera película animada con el título de “Osaru Sankichi. Bokusen”, traducida como “Sankichi el mono. Defensa antiaérea”, con el carácter militar de la época.

A partir de la inclusión en la guerra de los nipones desde el ataque a la base americana de Pearl Harbour, la Armada Imperial encarga a Seo otra campaña de propaganda político-militar que muestre a los jóvenes japoneses sus éxitos en la contienda. Gracias a la ayuda inestimable de su equipo, Seo conseguirá finalizar la obra con el título de “Momotaro no umiwashi”, traducida como “Las águilas marínas de Taro melocotón”, en el 1942. El resultado final fue de 37 minutos de duración que, a pesar de su visible propósito, tuvo gran éxito entre los más pequeños, quizás debido a que la protagonizó Momotaro, un popular personaje de cuentos infantiles del país.

Seo volverá a recibir encargos de la armada al entrar a formar parte de la Shochiku Doga Kenkyusho donde coincidió con Kenzo Masaoka. Esta vez se trataba de mostrar otro éxito del Cuerpo de Paracaidistas de la Armada en su misión sobre la ista indonesa de Sulawesi en 1942, donde de nuevo conquistó la base americana.

En esta ocasión el producto de reclamo para los niños se llamó “Momotaro, umi no shimpei”, traducido al castellano como “Taro Melocotón, el guerrero divino de los mares” y contó con un equipo de 70 personas, el mayor hasta la época. Su producción duró 14 meses y su resultado final fue un film de una duración de 72 minutos, la primera superproducción de la animación nipona. Cuando finalizó el trabajo, a causa de la llamada a filas el equipo apenas contaba con 25 personas, lo que retrasó en gran parte la salida del proyecto.

Otras obras de la época

“Ugoku-e Kori no tatehiki”, estrenado en 1933 y traducido como “El duelo del zorro y el tejón”, se trató de una historia protagonizada por animales, en concreto zorros y tejones. Los tejones representan el papel de habitantes de un templo budista mientras que un zorro es el encargado de adoptar la forma de samurai. Cuando el zorro llega al templo comienza una lucha en la que se sucede un duelo de transformaciones que terminará con la derrota del samurai. El encargado de dirigir la animación fue Ikuo Oishi cuya carrera en este arte uvo comienzo tras finalizar una grabación para un anuncio de una fábrica de chocolate. Una escena que llama la atención el la película es ver al zorro en posesión y uso de una ametralladora.

La obra más conocida de este director fue “Futatsu no Taiyo”, que se puede traducir como “Los dos soles”, en 1929. La guerra también hizo que Ikuo cambiase de estilo para realizar películas al servicio de la Armada nipona, por desgracia, durante un desplazamiento mientras intentaba rodar unas escenas para uno de esos trabajos, su barco fue hundido por un submarino enemigo.

La famosa ópera de Puccini Madame Butterfly tuvo su adaptación al anime en 1940 que se llamó “O-Cho fujin no genso”, cuya traducción al castellano sería “Fantasía sobre la Dama Mariposa”. Esta obra fue realizada mediante el sistema de animación con siluetas y los encargados de llevarla a cabo fueron Kazugoro Arai junto con su compañero Tobiishi Nakaya. Dentistas de profesión, estos dos amigos decidieron pasarse al negocio de la animación tras ver Arai y quedarse impresionado por la obra alemana “Prinzen Achmed” de 1026, creada por Lotte Reiniger. Tobiishi falleció a consecuencia de la guerra en 1942, con lo que fue Arai el encargado de continuar el gran trabajo que ambos estaban llevando a cabo.

De sus obras podemos destacar: “Ogon no tsuribari”, creada en 1939 bajo el título en castellano de “El anzuelo de oro”, “Jack to mame no ki”, que vio la luz dos años después, en 1941 y cuyo título puede traducirse como “Jack y la mata de habichuelas”, y por último “Kaguya hime”, traducida como “La princesa resplandeciente”, que finalizó en 1942.

La primera película de animación se llevó a cabo en 1906 a manos del productor americano James Stuart Blackton, “Humorous Phases of funny face”.

Pioneros

En 2005, se descubrió la animación japonesa más antigua hasta la fecha, que data del año 1907. Consitía en cincuenta fotogramas dibujados directamente en una tira de celuloide. Este anime, cuyo autor es desconocido, nos mostraba un niño escribiendo los caracteres de “Película Animada”, después se quitaba el sombrero mientras saludaba al público.

El origen de del anime japonés es un poco incierto. Se sabe que las obras de sombras originarias de China tuvieron un fuerte impacto en la animación. Otro dato conocido es el pionero francés de la animación, que inspiró a artistas posteriores, Emil Cohl y su obra “Fantasmagorie”.

La primera película expuesta en un cine, fue en Tokio hacia el año 1910, y su título fue “Tekugukan”. Dado el éxito que tuvieron entre 1914 y 1917 las películas animadas americanas, la industria japonesa comenzó a plantearse la realización de anime nacional a otro nivel.

Primera generación de Anime Japones

Pocas películas de la época han sobrevivido hasta nuestros días. Tras su éxito en los cines en las grandes ciudades, muchas de ellas fueron vendidas a cines menores para posteriormente ser revendidas como tiras o fotogramas.

Oten Shimokawa

Tennenshoku Katsudo Shashin, más popularmente conocida como Tenkatsu, fue la primera compañía de animación japonesa dispuesta a hacer frente a la animación americana. Oten Shimokawa, un mangaka de la época que trabajaba para la revista Tokyo Puck, fue contratado por dicha compañía para encargarse de una película de animación. Su labor no fue fácil debido a la falta de técnicas de animación en Japón y de información a cerca de cómo llevarlas a cabo.

A pesar de los problemas técnicos y de sus problemas de salud, derivados de la sobrexposición a la luz que requería el trabajo y al consiguiente deterioro visual, fue capaz de llevar a cabo la realización de cinco películas entre ellas la primera de la animación japonesa, “Muzuko Imokawa y el guardian de la entrada”, estrenada en 1917 bajo su nombre japonés “Imokawa Muzuko, Genkanban no maki”. Posteriormente violvió a su antiguo trabajo como dibujante de manga.

Seitaro Kitayama

Otro pintor llamado por el estilo occidental, Seitaro Kitayama, se interesó por las películas de animación extrangeras expuestas en los cines de Japón. Su interés llegó a tal punto que presentó un proyecto propio de realización a la compañía Nippon Katsudo Shanshin, más conocida como Nikkatsu. La compañía aceptó su propuesta y, a pesar de no tratarse de ningún experto en técnicas de animación, consiguió terminar “La batalla del mono y el cangrejo”, con el título original de “Saru Kani gassen”, basada en un cuento popular del pais y que fue estrenada un par de meses después que la obra de Shimokawa, en 1917. Kitayama utilizó para sus obras las técnicas de animación de pizarra y después en papel, con y sin fondos preimpresos.

Comenzó a emplear ayudantes aspirantes a pintores a los cuales tomaba como discípulos en las técnicas de dibujo animado. En 1917 llegó a realizar hasta diez películas, entre ellas “Momotaro”, que consiguió llevar hasta Francia, siendo el primer animador japonés en llegar hasta occidente. Kitayama llegó incluso a fundar su propio estudio de animación en 1921, el Kitayama Eiga Seigakujo, pero el Gran terremoto de Kanto de 1923 destruirá sus instalaciones, con lo que decidirá trnsladarse a Osaka.

Sumikazu Koichi

Mientras Shimokawa y Kitayama comenzaban a dar sus primeros pasos en la animación en el año 1916, Sumazaki Koichi, dibujante de manga de temática política, comenzó también a interesarse por el género animado. Contratado por la compañía Kobayashi Shokai estrenó meses después que sus predecesores, a pesar de ser la primera en rodarse, el mismo año 1917.

El film, “Hekonai Hanawa y su nueva espada”, con el nombre original de “Hanawa Hekonai, Shinto no maki”, tuvo como protagonista a un samurai. Sumikazu será visto como el animador japonés más avanzado de la época. Tras un breve descanso después de rodar las cisnco prmeras películas, Koichi volvió a su trabajo realizando películas animadas como propaganda política hasta que su obra llegó a contar con hasta 15 animaciones.

No se conserva ninguna copia de las películas de estos tres tres pioneros por lo que se desconocen muchos datos.

Tras ellos dará comienzo la segunda generación, marcada por los avances técnicos de la época que ayudarán a perfeccionar el resultado final y a facilitar la producción de películas.

Comenzamos con la primera parte de la historia del anime en la cual describiremos el significado del término así como su influencia dentro de la cultura japonesa. En las partes sucesivas de la historia, proseguiremos enunciando sus principales géneros, rasgos y características para finalizar con un paseo por la cronología de su evolución.

Influencia y expansión del anime

En Japón, el anime se ha convertido en una de las bases de la cultura nipona. Existen géneros de anime para todas las edades y niveles sociales, lo que ha promovido su integración en la población hasta formar parte de la vida rutinaria de los nipones.

Su extensión hacia los paises occidentales tuvo un éxito más prematuro que el manga. A pesar de no saber si quiera de su existencia, muchas generaciones disfrutaron de series de anime como “Heidi” o “Marco”, que se pueden considerar las precursoras de la inserción del anime en la programación de las televisiones europeas.

Gracias a esta expansión tanto en Europa como en Estados Unidos, los japoneses han aprobechado su éxito para utilizar el anime como reclamo de turistas a su país. Para ello han usado técnicas como la contratación de personas vestidas con cosplay, esto es vestidas con un disfraz de algún personaje de anime o manga, generalmente mujeres, para recibir a los turistas en los aeropuertos más importantes del país.

A pesar del increménto de público con el tiempo, el anime aun se considera, sobre todo en occidente, algo para personas que, como término usado despectivamente, son denominadas frikis. El término friki, en Japón, se usa como descripción de personas que son fanáticas hacia algo o alguien, mientras que en Estados Unidos o Europa, se emplea generalmente para referirse a marginados sociales con hábitos poco comunes o relacionados con ordenadores, videojuegos o la cultura japonesa.

Definición del término

Anime (アニメ), es la palabra cuyo significado engloba a los dibujos animados de prodedencia japonesa tanto fuera como dentro del país. En Japón se incluyen en la definición los dibujos animados de procedencia extranjera.

La formación del término ha derivado desde la palabra de origen inglés animation, cuyo significado en español es animación. En el idioma nipón, esta palabra se transcribe, adaptada a los símbolos de los que disponen en su silabario, como animeeshon, el cual ha evolucionado hasta convertirse en anime.

Hay otras teorías acerca de la procedencia del término, pero todas coinciden que proviene de algún idioma en el que su significado inicial era el de animación. Esta palabra, en cualquier idioma de raiz latina, procede del término anima, que actualmente habría derivado hasta convertirse en el término alma. Este concepto asociado con anime nos crea la idea de que es una técnica por la cual los dibujos cobran vida con el movimiento.

En los primeros años de expansión internacional, el anime era conocido por el nombre, caído ya en desuso, de japanimation. Esta palabra nació de la unión de la definición en ingles del término anime: “Japanese Animation”, es decir, Animación Japonesa. Este término tan sólo duró dos décadas, entre los años 1970 y 1990, hasta que finamente cayó en el olvido. Estas fechas coincidirán con la primera y segunda oleada de la cultura anime. Su desaparición coincidió con la resurrección del anime a mediados de los 90′. En Japón, la palabra japanimation es usada actualmente para distinguir la animación nipona de la extranjera.

En esta segunda parte de la historia del anime enumeraremos algunas de las características que le diferencian del resto de la animación mundial. También haremos un repaso por los distintos formatos en los que nos podremos encontrar una producción animada en este país.

Características

Trama

Su principal característica radica en que sigue un hilo argumental complejo que evoluciona en cada episodio, a diferencia de la mayoría de las series de animación occidentales, en los que cada episodio parte de una misma trama base.

También difiere de las demás producciones animadas por su variedad de géneros, abarcando todo tipo de público, adultos inclusive.

Producción

A pesar de sus diferencias con los dibujos animados, existen a su vez muchas similitudes en cuanto a técnicas en el proceso, como la necesidad del storyboard, el doblaje o el diseño de personajes. Aunque sean similares, las productoras japonesas prestan más atención a los detalles, por ejempo, en las voces de los personajes. Mientras que en otros paises se contratan tres dobladores para toda una serie de dibujos animados, en Japón procuran no forzar la repetición de voces y sonidos. Una buena muestra de esto es señalar que incluso Pikachu, de la serie Pokemon, tenía su propia dobladora, a pesar de sólo tener una o dos frases distintas.

Dibujo

En cuanto al dibujo, la mayoría del anime coincide en unos rasgos comunes en su estilo. El más señalado puede ser el de los ojos grandes. Estos ojos se han popularizado hasta tal punto de crearse lentillas que hacen que parezca que el ojo tiene la pupila tan grande como un personaje de anime. El pelo de los personajes, sobre todo de los principales, suele ser de colores vivos y peinados imposibles, incluso en los personajes masculinos. Los personajes secundarios o de fondo normalmente tienen un color de pelo castaño y sencillo y el estilo de dibujo es más descuidado.

Musica

La música es uno de los elementos clave en el anime. Muschos idols japoneses han alcanzado la fama gracias a la aparición de sus canciones en un anime. La música de las series suele ser recopilada durante su emisión en un disco con la Banda Sonora, o como se llama comunmente, OST (Original Sound Track). Dependiendo en qué parte del anime aparezca la canción esta se puede denominar:

Opening: Canción que aparece en el inicio de la serie junto a los créditos de la producción. Suelen ser muy cuidados ya que la gente juzga en una primera impresión a la serie por su opening, tanto la canción, como la presentación de los personajes en el transfondo.

Ending: Canción que aparece al final de cada capítulo.

Soundtrack central: Canciones que acompañan las distintas escenas motivando en el espectador algún sentimiento que concuerde con la trama.

Background Music: También son las encargadas de acompañar a las escenas pero se les otorga poca importancia.

Character Songs: Canciones que no contienen todas las OST de anime. Son canciones cantadas desde el punto de vista de un personaje, siendo bastante fieles a su personalidad. Son los mismos seiyuus que han puesto voz a los protagonistas en el anime quienes se encargarán de cantarlas.

Técnicas

La técnica de animación en el anime es algo único, tan sólo emplean 8 cuadros por segundo. Gracias a la llegada de los ordenadores y la digitalización de imágenes, los animes han mejorado en cuanto a calidad de imágen y animación. Otra de las características es la simulación de ángulos de cámara, que juega un importante papel en las escenas.

Formatos

Serie de televisión

Generalmente basadas en libros de manga, son el formato más común dentro del anime. Sus temporadas constan de 13 o 26 episodios generalmente, ya que así la serie abarca un período de programación. Esto concuerda con la costumbre de las televisiones niponas, que suelen emitir un único episodio de estreno por semana de las series nuevas.

OVA

Palabra formada por las siglas de “Original Video Animation”, que significa Animación Original de Video en español. También concuerda con las de “Only Video Available”, Sólo Disponible en Video.

En cualquier caso, el término nos refiere que es un anime algo más largo que un episodio manga pero que no llega a la duración de una película. Éste se caracteriza por estar disponible únicamente en video sin haber pasado previamente por su emisión en una cadena de televisión. Está relacionado con la trama argumental en algún momento del anime pero su visionado no será necesario para seguir la trama.

Película

Largometrajes, de 50 a 20 minutos de duración, con un mayor presupuesto en la producción que desencadenará en una mejor calidad en la imágen y en el guión de la trama. Pueden ser historias originales o basadas en algún manga. De estar basadas en algúna serie de anime, la historia estará fuera del hilo argumental original e incluso del tiempo lógico establecido en la serie. Generalmente los largometrajes son llevados a cabo por la compañías propietarias del anime en el que se basan.

Especial de televisión

Normalmente emitidos por las cadenas en días festivos, estos especiales se separan del argumento de la serie de anime para mostrarnos una historia paralela a éste. También suelen aprobecharse estos episodios para completar partes poco detalladas en el anime por falta de tiempo.

Para entender estos capítulos, es necesario haber visto la serie y tener un mínimo conocimiento sobre la trama y los personajes que ésta rodea. Estos episodios no serán, en cambio, necesarios para seguir el argumento de la serie.

En muchos países estos capítulos no han llegado a emitirse por televisión, por falta de presupuesto invertido, al considerar que no era necesario ya que no afectaba a la trama. Por el contrario, hemos podido conseguirlos en cintas de video puestas a la venta en establecimientos especializados, al menos en las series más populares como Dragon Ball.

Con la llegada de canales exclusivamente dedicados al anime, cada vez más series nos llegan completas incluyendo, por supuesto, los especiales de televisión.

ONA

Formato de anime aun no muy extendido entre los usuarios. Su nombre proviene de la unión de las siglas de “Original Net Animation”, animación creada para Internet. Como su nombre indica, está en un formato especialmente concevido para ser distribuido por la red. Una característica de esta clase de anime es la corta duración de sus episodios.

Los 90 traen consigo un gran avance en la animación. Se aplican nuevas técnicas para satisfacer a un público fiel y cada vez más exigente.

Década de los 90: Nuevas Tecnologías

En un avance imparable, los artistas manga comienzan a buscar nuevas fórmulas para viejos temas, nuevos medios de expresión, y ¿cómo no? con la llegada del s.XXI, nuevas plataformas de difusión (nuevos campos por conquistar): internet y teléfonos móviles.

Los videojuegos sirven de inspiración a los mangakas e influyen en su estilo los programas 3D. Las nuevas técnicas confieren mayor calidad, especialmente en el campo del animé, donde se consiguen increíbles efectos con personajes y movimientos más realistas. Cada vez más, las animaciones consiguen una calidad cinematográfica.

Influencias sobre artistas

Los autores occidentales acercan más su estilo al manga en detrimento del clásico estilo norteamericano o franco-belga. Utilizan típicos recursos manga como las “splash-pages” (dibujos de cuerpo entero de los personajes recortados sobre las viñetas), los puntos de vista inhabituales (perspectivas marcadas), la cinética, el diseño de página, los rasgos manga…

La Nouvelle Manga y Amerimanga

Surgen los movimientos “La Nouvelle Manga” y “Amerimanga“, el primero iniciado por Frédèric Boilet, combina la sofisticación madura del manga con el estilo artístico de las historietas franco-belgas. El segundo, Amerimanga, denomina al manga creado en Norteamérica, con la particularidad de que se crea a color y no en el clásico blanco y negro del manga japonés.

Al alcance de todos…

Las publicaciones manga están más al alcance del público occidental, siendo habituales en librerías e incluso kioskos. Se van dejando de lado muchos de los prejuicios existentes (se acusaba al manga, especialmente, de fomentar la violencia y el sexo, por no entender la diferenciación de edades que realiza el manga en sus diversos géneros)… Con esta mayor cercanía del manga se decide reeditar muchas obras tempranas o minoritarias.

Comiket

Surgen las ferias del manga o convenciones, no sólo en Japón, sino por todo el mundo. La más popular es la conocida Comiket, que se celebra dos veces al año en Tokio, y se ha convertido en un fenómeno de masas. La Comiket tiene su propio reglamento en cuanto a comportamiento de los visitantes, llegando incluso estas normas a la forma de vestir (¡¡estos japoneses son la leche!!). Se celebra en los enormes pabellones del centro de convenciones del Tokyo Big Sight y está organizada con la típica eficiencia del país del sol naciente.

Cosplay

En este tipo de eventos es típico el Cosplay. Consiste en disfrazarse de personajes del mundo manga, animé o videojuegos. Los disfraces suelen ser muy elaborados y realizados en casa; algunos de los disfrazados llegan a preparar, incluso, coreografías.

El Cosplay se ha convertido en un pasatiempo popular en Japón y exportado con éxito a otros países, realizándose concursos específicos a nivel local, nacional o internacional.

El avance del manga sigue imparable y uno no deja de preguntarse que nuevas sorpresas nos deparará este mundillo…

En nuestro siguiente artículo echaremos un vistazo a Japón y sus peculiaridades para entender mejor la fuente de inspiración del mundo manga….

Y llegamos a los 70, década en la que el manga se consolida como una de las industrias más prósperas de Japón, década que también supone el triunfo del animé.

Tras el éxito a finales de los 60 de las series animadas creadas por Tezuka, en Japón se comienza a investigar más a fondo el campo de la animación. Muchos clásicos de la literatura se convertirán en series animadas, al tiempo que surge una nueva moda en el manga: los grandes robots. Todo esto se exporta a Occidente con gran éxito.

Variación en la temática

El manga pronto deja de ser un producto dirigido al público infantil y se convierte en una lectura alternativa para todas las edades. Los argumentos van cambiando pero manteniendo como base a protagonistas con espíritu de superación y trabajo en equipo (propio de la sociedad japonesa). Las historias típicas de samurais van dejando paso a héroes deportivos o grupos de superhéroes. Cala hondo el género gakuen (historias basadas en la vida estudiantil), así como la ciencia ficción y las historias detectivescas (que alcanzarán la cumbre de su éxito en la década de los 80).

Y nace el shojo que conocemos hoy en día…

Las mujeres deciden tomar la iniciativa y comienzan a crear historias destinadas al público femenino (¿al fin y al cabo, quien mejor que ellas podía conocer los intereses de dicho público?). Artistas como Riyoko Ikeda, Moto Hagio, Yumiko Oshima o Keiko Takemiya, toman por asalto el mundo del manga contribuyendo a su auge con obras como “Candy, Candy” (¿quién no recuerda a la preciosa niña rubia de cabellos encaracolados?), “Versalles no Bara”, “Ace wo Nerae!” o “Juuichi Nin Iru”.

El imperio del merchandising

El éxito del manga en los 70, trae consigo la aparición de productos derivados de las series.

Si el primero fue la animación, a ello habría que sumarle cromos, pins, libretas, ropa… incluso vajillas. La industria amplia su campo de acción con beneficios cada vez mayores.

Los cantantes mangakas

Los estudios de animación, buscando la superación, contratan a cantantes famosos para la banda sonora de las series; surge un nuevo estilo musical, el pop-animé (también denominado J-Pop), todavía vigente y con gran número de seguidores en todo el mundo.

Década de los 80

En esta década el animé está totalmente consolidado, de hecho en el mismo Japón se emitían un centenar de series por televisión.

Con la aparición del reproductor de vídeo nace el OVA (Original Vídeo Animation): series de animé o capítulos especiales de alguna serie creados exclusivamente para su visionado en vídeo, no pudiendo ser emitidos por televisión. Normalmente estos OVA son de calidad superior a la versión televisiva de la serie.

Como hemos podido ver, entre los 70 y 80, el manga se ha convertido en todo un universo que abarca distintos campos… pero el fenómeno manga no se detiene, y en el próximo capítulo veremos como influyen los 90 y las nuevas tecnologías en el mundo manga.

No me remontaré a toda la historia de la ilustración japonesa, pues no es mi intención aburriros, así que iremos directamente al nacimiento de la historieta. Este se produjo entre los años 1868-1912, con la apertura de Japón a Occidente.

El comienzo de la aventura

Con la llegada de extranjeros a Japón, comenzaron a publicarse revistas de humor dirigidas a éstes. Pronto este estilo hizo mella en los japoneses, los cuales comenzaron a utilizar el formato convirtiendose en caricaturistas y críticos de su propia sociedad.

Así que estamos a comienzos del s. XX, y la influencia del comic estadounidense es claramente evidente (¿por qué será que no me extraña? ¿y a vosotros?). Los japoneses empezaron a crear cómic japonés serializado a ritmo acelerado. El primer cómic japonés serializado fue “Tagosaku to Mokube no Tokyo Kembutsu”, de Kitazawa (publicado en 1901)… este artista acuñó el término “manga” para su obra, término inventado por Katsuhika Hokusai (man = involuntario; ga = imagen).

Este tipo de cómic alcanza la popularidad cuando salta de los diarios a las revistas infantiles y juveniles. A partir de aquí el manga ya no sólo es un medio de crítica social… sino que comienza a adentrarse en el mundo de la fantasía.

Tezuka, divinidad manga

El primer gran artista manga, considerado padre del mismo, llegando incluso a denominarlo Dios del manga (manga no kamisama), fue Osamu Tezuka (1928-1989). Tezuka fue el creador de los story manga (mangas de larga duración) y del formato “tankoubon” (colección de capítulos de unas 200 páginas en formato bolsillo)… también le debemos esos grandes y expresivos ojos característicos del manga con cierta influencia de los dibujos Disney. Marcado por la 2ª guerra mundial (claramente comprensible), procuraba dar un mensaje optimista y humanitario con sus obras.

El manga tuvo una importancia relevante durante la 2ª guerra mundial, siendo utilizado como medio de difusión patriótica. Fue convertido en herramienta del gobierno y, al finalizar la guerra, censurado por los aliados.

Tras la guerra, cobraron mayor importancia las obras dirigidas al público infantil y juvenil, evitando así problemas de censura.

Es en 1947 cuando Tezuka (joven estudiante de medicina) publica “Shintakarajima“, obra de 200 páginas y de narración dinámica. Esta obra entusiasma a los jóvenes lectores y se convierte en éxito de ventas. Había nacido una novedosa forma de narración en dibujos.

El siguiente paso: la llegada del manga a la pantalla. El animé que conocemos, con influencia norteamericana, empieza su andadura en 1952 con la obra “Hakujaden“.

En 1963, Osamu Tezuka lleva a la pequeña pantalla la primera serie animada para televisión, “Tetsuwan Atom“, de emisión semanal y alcance de todo el mundo… estaba en marcha el boom manga.