Derivada de su propuesta de una abierta y tolerante “razón débil”, en contra de una racionalidad impositiva y de lógica extenuante, Gianni Vattimo, una de las figuras más relevantes de la intelectualidad europea contemporánea, desarrollo su teoría de la ética de la interpretación. Pensando en un ambiente secularizado y posmoderno, Vattimo propone deslegitimar los postulados morales absolutos, puesto que solo conducen al sufrimiento e insatisfacción de millones de personas, para en cambio, cultivar una tendencia ética circunscrita a determinada comunidad de sentido.

De allí que la hermenéutica sea la plataforma teórica adecuada para desarrollar estrategias de eticidad fomentadoras de relaciones humanad más valiosas y perdurables. Lo bueno y lo malo de ciertas acciones solo podrán ser consideradas así en determinada región, pero no más allá de sus límites. Sin embargo, es preciso llevar a cabo un dialogo multicultural ininterrumpido, dentro de los parámetros del pensamiento débil y la hermenéutica, para gestar mundo, para acrisolar humanidad, por medio de flujos de entramados comunicacionales que modifiquen esos “valores” relativos, interpretados, de acuerdo al ejemplo de otras experiencias sociales.

El Sensei Miyazaki como hermeneuta

Si se observa desde cierta perspectiva, Miyazaki comparte muchas de las iniciativas de Vattimo. Basta pensar por ejemplo en los valores que defiende la pequeña Heidi, en la antológica serie de anime de los setentas, cuyas determinaciones éticas parecerían inverosímiles para un habitante de la populosa y civilizada Frankfurt decimonónica, pero en cambio, tendrían un sentido pleno y determinado para los habitantes de los majestuosos Alpes suizos.

De igual manera Vattimo estaría muy complacido con Miyazaki en la heroica defensa de la comunicación y el establecer acuerdos vitales, por parte de la admirable Nausicaa, entre criaturas tan disímiles (hermenéuticamente diferentes) como los belicosos humanos postapocalípticos, y los colosales insectos pensantes, los Ohmu, en la preciosa cinta futurista Kaze no Tani no Naushika (1984). Finalmente, cómo no hallar una convergencia ,no solo intelectual, sino además muy emotiva, entre los ideales de sociabilidad posmoderna de Vattimo, y el tesón espiritual de San, la princesa de los lobos, y Ashitaka, en su pugna por preservar el sentido sagrado de la naturaleza y sus misterios, en la extraordinaria Mononoke Hime (1997).

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La trama de Chihiro

La introvertida Chihiro acompaña a sus padres rumbo a su hogar y toman un desvío por un desnivel intrigante. Cuando suben al exterior, encuentran una ciudad aparentemente desolada. Luego, allí, los padres comen de modo compulsivo hasta que adquieren una forma porcina, y entonces Chihiro se percata de que alguien los observa.

Al llegar la noche, la ciudad se colma de espíritus, y Chihiro debe superar sus temores con el objetivo de rescatar a sus padres y retomar el regreso a su casa. Entonces, ayudada por un espíritu de nombre Haku, se ocupa en vigilar la ciudad y así descubre la presencia de la bruja Yubaba. Ella es la líder de todos los espíritus y la única que al parecer tiene los poderes necesarios para auxiliarla en sus propósitos.

Alegoría de la madurez

El viaje de Chihiro es la lectura que hace Miyazaki de ‘Alicia en el país de las maravillas’ de Lewis Carrol. Las escenas trabajadas por el sensei Miyazaki desbordan calidad e inspiración, y Miyazaki compone decenas de espíritus y de seres increíbles que deambulan por un ámbito de leyes indescifrables y de una lógica absurda. Recién nacidos titánicos que hacen temblar al mundo entero con sus rabietas; entes malévolos que obsequian oro para después acabar con todo lo que les rodea; personajes que transforman su forma y temperamento a la menor oportunidad: Haku es progresivamente niño, dragón, y espíritu. De la misma manera, Chihiro demuestra primero conturbación, luego un pronunciado temor, para al final exponer valentía y nobleza. Descubre el valor de comprender y de hacerse oir en un universo tan fantástico y desconocido como el de la adultez, que sin embargo deberá aprender y controlar para poder manejarse en la vida coherentemente. Chihiro demuestra una sabiduría de alteridad que nos religa con el imperioso devenir de nuestra esencia.

En cuántos casos se nos van los años esperando la ocasión de poder ser diferentes y más positivos, y sin embargo nunca sucede. Inesperadas relajaciones nos conducen de nueva cuenta a nuestro lado oscuro, sin remedio. Pero la mayoría de estos tropiezos son causados por no hallar el fundamento de nuestras acciones sino en lo mundano más basto. En contraste, solo en las cosas ínfimas de la vida, los pequeños caudales de riqueza existencial ocultos en el día a día, es en donde se puede encontrar ese impulso que nos posibilita conservar la identidad propia, pero diversificada en sentimientos y experiencias vitales antes insospechadas.

El Abuelo de Heidi

En el hermético viejo de los Alpes, del anime Heidi, que Hayao Miyazaki y sus colaboradores produjeron en 1974 a partir de la novela de Johanna Spyri, encontramos un patente ejemplo de lo que comentábamos: el Abuelo de Heidi fue en sus años mozos un sujeto pendenciero y criminal, sus vicios le hicieron perderlo todo; y ya sin sus seres queridos, decidió deshacerse del mundo para refugiarse en su cabaña alpina. Y sin embargo es allí, en ese paraje helado de naturaleza solitaria, en donde la vida le tiende la mano al viejo con la llegada de Heidi. Ella, tan parecida a su hijo fallecido, es capaz de hacerle ver al Abuelo que el mundo es un ámbito divino de transmutaciones sin sosiego, de oportunidades para cambiar en todos los sentidos. Heidi, en su inocencia, en su sabiduría, es capaz de identificar en cada pequeño evento de la cotidianidad un sortilegio transformador y vital.

Saber encontrar la magia y conservarla para siempre

Cuando el Viejo pierde a su nieta, parece que su ilusión se le quiebra, y todas sus ilusiones por mejorar su existencia se tornan irónicos espejismos de un pasado indefectible. Sin embargo la esperanza, otro nombre para la filosofía de Heidi, no los abandona. Y en cuanto la niña retorna de Frankfurt el Abuelo se convence de que todo es posible, y por su querida nieta, traduce en acciones su nuevo conocimiento: ayuda a que se alivie Clarita, traslada su residencia periódicamente al pueblo para que Heidi asista al colegio, y se integra a la comunidad. Y aunque en su corazón las tinieblas no se difuminen del todo, ahora el Abuelo puede encontrar en esa esencia suya, como todos podemos hacerlo, una oportunidad constante para ser más felices a través de nuestra relación con los demás: nuestro mundo.

El fuego del Heráclito: fundamento de la physis, símbolo totalizador de lo fragmentario; el nombre impronunciable de un devenir amnésico; el reflejo deslumbrante de un espejo reconstruido por el empeño de un niño divinal abrumado por el tedio. Quizá sea la luz de las estrellas que se comunican en un logos titilante, allende cualquier infierno, purgatorio, o paraíso. Incluso Heráclito puede no ser sino otro Dante, que se difumina cauta y oscuramente ante el clamor de una llama melancólica disfrazada de Ulises, misma que relata los trágicos avatares de la nave de la finitud, ante la impetuosidad de un tormentoso horizonte marino delirando eternidades.

Heidi, su fuego interior, el mundo todo

La sabiduría de Heráclito, la profunda intuición de los griegos antiguos, podría no ser más que la indomable inocencia de la niña Heidi, la de Johanna Spyri, la de Hayao Miyazaki y de Isao Takahata, que extraviada en el dédalo urbano de una Frankfurt constreñidora, se juega todo arrojándose al pathos de lo oculto, y se niega en una necesidad agobiante, disimulada en el tiempo, para ver transfigurados sus insufribles cuadernos escolares en jubilosas cabras saltando bajo una lluvia de sol; la voz de su incordiante tutora convertida en el sonido de bucólicas campanas y silvestres clamores; los grises edificios tornándose en Alpes majestuosos; en una extática transmutación, posibilitada por un peculiar estado de conciencia, donde la lucidez se confunde con los recuerdos y los sueños con un místico conocimiento.

El secreto de los cumbres: fulgor de otredades

Es posible que el logos no sea sino un ser- recuerdo de la voz del viento montañoso susurrando al entreverado ramaje de los abetos; el enmarañado hilo de una Ariadna extrema, que ofrenda el (sin)sentido de un regreso al ex(traviado), hacia la olvidada salida: aquel umbral de silencios únicos que lo expresan todo: un mudo clamor de luz que presagia el relámpago sonoro pero efímero del mundo.

Porque la sabiduría de Heráclito bien puede hallarse también, en el coincidir de una vivenciada interioridad, la de Heidi (ónticos sueños de un porvenir ilusionado) y la de su hosco, pero noble Abuelo (fatiga de un pretérito desengañado), contemplando juntos el apolíneo fulgor de un presente irradiándose en lo imperecedero, en el sol del ocaso incendiando las cumbres alpinas, bajo la mirada del Señor de las Cumbres, una dionisiaca cabra majestuosa; la verdad del mundo en el fuego, las ígneas palpitaciones de su corazón secreto, la lúdica excitación del dios aguardando ser develado; su sonrisa: una impaciencia de brillos que calcinan en su intensidad hasta las últimas tinieblas del misterio que se sueña mundo.

Heráclito, Heidi, Miyazaki, su sabiduría: laberinto de ríos fluyentes entrelazados, logos de acertijos recordándose esfinges, fuego que nos acompaña siempre, hasta la morada misma de lo indecible.

La noble fuerza de Yojimbo

Piénsese por ejemplo al vagabundo disfrazado de samurái Kikuchiyo de Los Siete Samurais(1954); al médico Akahige, en Red Beard (1965); al astuto samurái Sanjuro Kuwabatake en Yojimbo (1961), entre varios otros. Pero en cada uno de ellos, una conciencia de lo trágico de la condición humana, arrojada a un ámbito de violentas pasiones y sinrazón, es sublimada por un viril sentido de la heroicidad que torna trascendente y prometeico el empeño en ser bueno y valiente, a pesar del absurdo de simplemente ser. Finito que se torna inconmensurable por el único empeño de sí.

La indomable inocencia de Mononoke

De la misma manera Hayao Miyazaki en prácticamente la totalidad de sus obras de anime, nos ofrece a la misma heroína, un ser integro y limite, entre lo mundano y lo celestial: muchas veces de lleno en la adolescencia, como simbolizando su talante profundo de criatura intercesora entre lo eterno y lo mortal: como Nausicaa, forjando entendimientos entre los últimos humanos de un mundo germinal y los colosales insectos herederos del porvenir; como Satsuki entablando contacto con el fantástico Totoro, a la vez que ha de enfrentarse a la inminencia de su pubertad en puerta, como San la princesa Mononoke, defendiendo con fiereza la vitalidad hermética de su ambiente encantado de naturaleza efervescente.

Las protagonanistas de Miyazaki pugnan siempre por ser portavoces, en su heroicidad de la voz que da morada al ser verdadero del mundo, y resguardan en su corazón el valioso silencio que fundamenta el sentido de la realidad.

El arte de los dos maestros

Miyazaki y Kurosawa: ambos comparten una sensibilidad extraordinaria para interpretar la voluntad inconmensurable del alma humana, cada una de sus realizaciones es una oda al empeño humano por existir a pesar de padecer la fractura irremediable son toda trascendencia. Sin embargo sus personajes son ejemplares y enorgullecedores, no por triunfar en cada una de sus problemáticas, dentro de las intensas tramas de sus cintas, sino porque son capaces de vencer sus propias limitaciones para superarse únicamente por ser más, para los otros.

Entonces ambos chicos han de solicitar refugio con una tía suya, y aunque al principio son bien recibidos, no mucho después, ante lo apremiante de la situación de guerra que viven, comienzan los miembros de aquella familia a molestar a los niños, a incordiarles tanto que los orillan a dejar la casa. Los hermanos entonces vagabundean un poco hasta encontrar un paupérrimo hogar en un refugio antibombas abandonado.

El joven Seita ha de cuidar a su hermana desde entonces: ambos hurgan entre la basura y los escombros para hallar comestibles y ropa. A la larga la pequeña enferma, la desnutrición los agobia, Setsuko se va apagando. Su única evasión a la dantesca situación que padecen es, durante las noches, contemplar a las luciérnagas dentro del oscuro refugio en el que habitan. El pavor comienza a doblegar a Seita, pero la pequeña no se lo permite.

A destacar una imagen de los dos hermanitos en un banco, como fantasmas, recuerdos que nadie tiene, contemplando a las luciérnagas en la noche; Setsuko se acurruca en las rodillas de su hermano, se duerme, ambos esperan en un silencio de nostalgias y de paz.

La realización de La Tumba de las Luciérnagas

Hotaru no Haka cinta de 1988 (año extraordinario para el anime, el año de Akira de Katsuhiro Otomo también) está basada en la novela homónima de Akiyuki Nosaka, basada en eventos de su propia infancia.

Isao Takahata es colaborador permanente de los Estudios Ghibli de Hayao Miyazaki, y fue el director de la inolvidable serie de anime, Heidi (1974).

Fue aclamada en todo el mundo por la calidad de su animación, el aspecto técnico de su realización, pero además sobre todo, por el mensaje antibelicista que expone con tanta fuerza y enorme sentimiento.

El manga de Nausicaa fue elaborado a lo largo de más de doce años- a la vez que Miyazaki se encargaba de la conducción de su Estudio Ghibli- y apareció periódicamente en la popular revista Tokuma Shoten de 1982 hasta 1994. De acuerdo al dilatado periodo de su creación es comprensible entonces que la trama del manga supere en mucho a lo presentado en la versión anime (puesto que sólo abarca los dos tomos iniciales), pero aún con esto, destaca como una de las mejores creaciones de su autor, y vive permanentemente como uno de los títulos predilectos de todos los aficionados a este maravilloso género.

La historia de la Princesa del Viento

En el fondo de la trama de Nausicaa late la profunda inquietud sobre la relación del ser humano con el medio ambiente del planeta. En un futuro lejano, tras múltiples devastaciones bélicas, el mundo es muy diferente a como lo conocemos hoy día: nuevas extrañas y asombrosas, especies de animales insectos y plantas colman el mundo. Sólo perduran algunas grandes comunidades aisladas de seres humanos, en los lugares donde la polución no se hace letal, y muchas de ellas cimentan su civilización en la utilización del viento como combustible.

La princesa de uno de estos pequeños reinos, la valiente y noble Nausicaa, acompañada por su enamorado, el audaz pero de nacionalidad rival Aspel, y el valiente anciano guerrero Lord Yupa; se enfrentará en la encrucijada de detener la guerra que enfrenta su reino con uno vecino, cuya ambiciosa monarca utiliza antiguos humanoides de fango para las batallas; y por otro lado impedir la devastación de unos gigantescos insectos los Ohmus, con quienes Nausicaa parece tener una gran empatía, y que parecen hartos de la sinrazón humana que está por llevar al borde de la destrucción total al planeta entero.

Breves apuntes sobre Nausicaa

Nausicaa expone todos los rasgos de personalidad de cada una de las posteriores heroínas de sus producciones -aunque ya se anunciaba mucho de ella en la entrañable Heidi (1974).

Miyazaki se mostraba reacio a llevar al anime esta obra, al principio accedió solamente a que fuese en un cortometraje de 15 minutos.

Persistentemente Nausicaa su sitúa dentro de las 50 mejores películas de ciencia ficción de la historia, de acuerdo al popular registro del Internet Movie Database.

La música de Joe Hisaishi es una obra maestra por cuenta propia: intensa, delicada, tierna y emotiva al límite.

En la desastrosa versión mutilada para Norteamérica de Nausicaa, titulada “Warriors of the Wind”, un muy joven Shia LaBeouf, le daba la voz al intrépido Aspel; Alison Lohman a Nausicaa. Los acompañaban en otros roles, la atractiva Uma Thurman, Mark Hamill, Edward James Olmos, y el respetado Patrick Stewart.

Uno de los animadores de esta película era un joven reflexivo al que Miyazaki le encomendó la tarea de diseñar el combate de los insectos Ohmu contra el colosal humanoide, el Gran Dios Guerrero, hecho de barro. El nombre de este joven artista: Hideaki Anno, quien a la postre creara la antológica Neon Génesis Evangelion.

Historia

El nombre del estudio, Ghibli, proviene del término con el cual los italianos denominaban a sus aviones de exploración del Sáhara durante la Segunda Guerra Mundial. Se dice que sus fundadores quisieron usar este nombre, cuyo significado es “viento cálido soplando a través del Sáhara“, para dar a entender que traían nuevos aires al mundo de la animación japonesa.

El estudio Ghibli fue fundado en 1985, a pesar de que se puede decir que sus orígenes datan de 1983, por el aclamado director Hayao Miyazaki (宮崎 駿), conocido director de películas animadas tanto fuera como dentro de su país, y su mentor Isao Takahata.

Miyazaki y Takahata, dos grandes de la animación

Previamente a la fundación de los estudios, Miyazaki, nacido en 1941 en Tokio, ya era un aclamado director de anime e incluso consiguió filmar su primera película cuando le dieron la oportunidad de llevar al cine al popularmente conocido Lupin III. El resultado de dicha oportunidad fue la película con el nombre de “Lupin III, en El castillo de Cagliostro” (1979) la cual, gracias a su calidad como director al introducirla un ritmo rápido y unos gags que gustaron al público, fue todo un éxito.

Aunque ni con mucho tan popular como su coofundador, Takahata, nacido en 1935, ha sido el otro pilar del estudio desde su creación. También había tenido oportunidad de dirigir importantes obras antes de su creación tales como “Heidi“, “Marco” o “Ana de Tejas Verdes“, animes que llegaron a emitirse en las televisiones de nuestro país, y de los que muchos conservan un grato recuerdo.

La primera película de Ghibli

Como mencionamos anteriormente, se puede decir que el comienzo de Ghibli fue en 1983. Ese año tanto Miyazaki como Takahata buscaban la oportunidad de encargarse de una gran película. La productora y revista Tokuma Shoten, que en esa época publicaba el manga ‘Nausicaä del Valle del Viento‘ (風の谷のナウシカ Kaze no tani no Naushika, 1984) ofreció a Miyazaki llevarla a la gran pantalla. A pesar de su reticencia en un principio, Miyazaki accedió a la propuesta con la condición de que Takata le acompañase en el proyecto como productor.

La película fue todo un éxito, se estrenó en 1984 y supuso un cambio de sentido en la obra de Miyazaki el cual, además de dirigir, se encargó del argumento, guión y story board. Gracias a la espectacular acogida, Miyazaki y Takahata convencen a Yasuyoshi Tokuma, un magnate del mundo editorial, para que colabore con ellos. En 1985 nacen oficialmente los estudios Ghibli.

Dos amigos de Miyazaki se unieron también al ambicioso proyecto, se trataba de el entonces desconocido Joe Hisaishi y Toshio Suzuki. Ellos se encargarían de aquel en adelante de la música de las películas de Miyazaki, así como del puesto de productor general y presidente de Ghibli hasta hoy, respectivamente.

Desde entonces estos estudios se han centrado en la creación de películas animadas de gran calidad, abriéndose un hueco tanto en la industria japonesa, donde predominan los OVAs y los animes, como a nivel mundial, cediendo los derechos de video y distribución a la multinacional Disney de películas como ‘La Princesa Mononoke‘ (もののけ姫 Mononoke Hime, 1997) y ‘El Viaje de Chihiro‘ (千と千尋の神隠し Sen to Chihiro no Kamikakushi, 2001).

La novela de Johanna Spyri

Heidi es el título de una preciosa novela escrita en 1880, por la literata suiza Johanna Spyri( 1827-1901) y narra las aventuras de una pequeña e inquieta chiquilla que habita en los alpes suizos acompañada de su abuelo y de su amiguito Pedro el pastor. El relato de Heidi expone en un estilo agradable y sencillo un hondo caudal de inocencia y admirables valores humanos, como el amor a la naturaleza, la pureza de alma, la lealtad, la piedad y el agradecimiento.

La nación suiza se ha mostrado siempre orgullosa de la noble figura literaria de Johanna Spyri, y por lo consiguiente le ha homenajeado en repetidas oportunidades a través de la emisión de sellos postales conmemorativos y diversas actividades culturales.

Heidi en anime

Pero gran parte de la aceptación actual que ha gozado la novela de Johanna Spyri, ha sido fruto sin duda alguna, de la magistral versión anime producida en 1976 por la compañía Nippon Animation y la empresa alemana ZDF. El célebre artista Hayao Miyazaki, y varios de los que posteriormente lo acompañarían en la fundación del famoso Studio Ghibli, también participaron en la elaboración de Heidi. De entre ellos Isao Takahata, quien sería el responsable de la dirección; también, Yoichi Kotabe, en la animación ( y el atractivo diseño de personajes) y el mismo Hayao Miyazaki se ocuparía del diseño de fondos y de la supervisión general del proyecto.

Mención aparte merece la música hermosa de la serie, por obra de Takeo Watanabe. También cabe destacar el trabajo de doblaje en castellano de esta serie: una inolvidable labor por parte de los equipos tanto de la versión para España, como para la de Latinoamérica. En este sentido se recuerda con mucho cariño a los actores y actrices españoles, Sélica Torcal, Marisa Marco, Conchita Nuñez, y Joaquin Vidriales para la versión europea; y a los mexicanos Cristina Camargo, como Heidi (y su interpretación de las bellas canciones de la serie), Diana Santos, como Pedro y Clarita; y Francisco Colmenero como el Viejo de los Alpes, para la versión latina.

Las cumbres en llamas, la voz secreta del corazón del mundo

Finalicemos estas líneas evocando los momentos más emotivos de Alps no shojo Heidi, como sería la partida y el regreso de Heidi a sus montañas y a su Abuelo. El júbilo transparente y contagioso de Heidi, Pedro, el fiel Niebla y Copito de Nieve, bailando felices en las elevadas praderas llenas de flores; y por supuesto quizá el momento más profundo, cual si hubiese sido concebido por el mismo Heidegger, de esta valiosa historia, cuando Heidi y el Viejo de los Alpes, contemplan la manifestación del milagro del mundo, de su trasfondo sagrado e inefable, cuando llega el atardecer de luz y fuego reflejado en las cumbres nevadas; bajo la aprobación del Señor de las Cumbres, cabra majestuosa que acaso simbolice el silencio profundo del corazón del ser, donando al mundo entero, en su lenguaje cifrado de latidos eternos.

Gracias Johanna, Gracias sensei Miyazaki.

Miyazaki en Occidente

El público no conocedor del anime japonés, reconoció en su justa magnitud el gran talento de Miyazaki y de su equipo de trabajo, a partir de la exhibición de la entrañable película Spirited Away(2001), merecedora de más de 35 galardones alrededor del mundo entero, incluyendo un premio Oscar a la mejor cinta de animación de aquel año. Desde entonces, cada nueva producción del Studio Ghibli es esperada con gran interés y entusiasmo por millones de aficionados al arte de este grupo de inspirados creativos, que exponen aventura y admirables valores humanos en todas sus realizaciones.

Una cinta esperada

Es por eso que, desde el mismo anuncio de su preproducción, Gake no ue no Ponyo- o también conocida como Ponyo de los acantilados- despertó muchas expectativas, y más debido al trasfondo de algunos de los personajes presentes en su trama. En efecto: Gake no Ue no Ponyo tiene como personajes principales a un niño de 5 años de nombre Sosuke y a Ponyo, la Princesa de los peces de colores, que anhela transformarse en ser humano.

De tal suerte, que se rumorea que Hayao Miyazaki tomó como inspiración para concebir al personaje de Sosuke a su propio vástago Goro Miyazaki. El apunte cobra gran interés, debido a que en una ocasión anterior, Goro realizó ciertas declaraciones públicas en las evidenciaba una mala relación con su famoso padre Hayao; posiblemente, debido a la negativa de Miyazaki a que Goro dirigiera el largometraje de animación, Gedo senki (2006), basado en una novela de la popular escritora de ciencia ficción, Ursula K. Le Guin. Se conjetura entonces, que Gake no ue no Ponyo, no fuera sino una velada contestación de Hayao a su hijo Goro, en maneras artísticas.

Ficha técnica de Ponyo de los acantilados

• Título original: Gake no ue no Ponyo
• Año: 2008
• País: Japón
• Director: Hayao Miyazaki
• Guión: Hayao Miyazaki
• Música: Joe Hisaishi y Naoya Fujimaki
• Reparto (voces): Yuria Nara, Hiroki Doi, Jôji Tokoro, Tomoko Yamaguchi, Yuki Amami, Akiko Yano, Kazushige Nagashima
• Estudio productor: Studio Ghibli
• Duración: 100 minutos