La trama de Chihiro

La introvertida Chihiro acompaña a sus padres rumbo a su hogar y toman un desvío por un desnivel intrigante. Cuando suben al exterior, encuentran una ciudad aparentemente desolada. Luego, allí, los padres comen de modo compulsivo hasta que adquieren una forma porcina, y entonces Chihiro se percata de que alguien los observa.

Al llegar la noche, la ciudad se colma de espíritus, y Chihiro debe superar sus temores con el objetivo de rescatar a sus padres y retomar el regreso a su casa. Entonces, ayudada por un espíritu de nombre Haku, se ocupa en vigilar la ciudad y así descubre la presencia de la bruja Yubaba. Ella es la líder de todos los espíritus y la única que al parecer tiene los poderes necesarios para auxiliarla en sus propósitos.

Alegoría de la madurez

El viaje de Chihiro es la lectura que hace Miyazaki de ‘Alicia en el país de las maravillas’ de Lewis Carrol. Las escenas trabajadas por el sensei Miyazaki desbordan calidad e inspiración, y Miyazaki compone decenas de espíritus y de seres increíbles que deambulan por un ámbito de leyes indescifrables y de una lógica absurda. Recién nacidos titánicos que hacen temblar al mundo entero con sus rabietas; entes malévolos que obsequian oro para después acabar con todo lo que les rodea; personajes que transforman su forma y temperamento a la menor oportunidad: Haku es progresivamente niño, dragón, y espíritu. De la misma manera, Chihiro demuestra primero conturbación, luego un pronunciado temor, para al final exponer valentía y nobleza. Descubre el valor de comprender y de hacerse oir en un universo tan fantástico y desconocido como el de la adultez, que sin embargo deberá aprender y controlar para poder manejarse en la vida coherentemente. Chihiro demuestra una sabiduría de alteridad que nos religa con el imperioso devenir de nuestra esencia.

Al cabo de un tiempo las pequeñas descubren que el sitio se encuentra poblado de misteriosas y diminutas criaturas que se ocultan entre las sombras y los rincones más insospechados. Ellas los conocen como los “Conejitos del polvo”. Pronto comprenderán ambas que estas criaturas tienen la particularidad de que no todos las pueden percibir, sino solamente aquellas personas que poseen un corazón puro, por ser de la misma naturaleza que los espíritus del bosque. Una de las hermanitas, Mei, de solo cuatro años de edad, se afana en seguir a una de esas criaturas, lo que le lleva a conocer, en un lugar apartado y silencioso de la floresta, a Totoro, el rey de los bosques. Esta enorme criatura, traviesa, bonachona, y de sonrisa fácil (aunque nunca deja de ser un tanto inquietante) habita en el tronco más viejo y grueso de la zona.

Posteriormente, Mei se pierde intentando hallar la ruta al sanatorio donde permanece su madre, y es su angustiada hermana mayor Satsuki (a punto de salir de la infancia) quien se dedica a buscarla entre los oscurecidos senderos de los montes. Tras infructuoso esfuerzo, completamente desalentada, Satsuki acude a Totoro para que la ayude. Pronto, con el apoyo del gran Totoro y de Nekobasu el gato-bus, Satsuki podrá reunirse con Mei para brindarnos una de las escenas más dulces y tiernas de la historia del anime.

Una obra excelente y de muchas lecturas

A nuestro parecer, en Tonari No Totoro, Miyazaki ha entablado un dialogo con el célebre escritor Lewis Carroll y la pintora Leonora Carrington. La imaginación honda y ambigua del primero, con la desbordante fantasía visual de la segunda, se trasladan al ámbito sabiamente oriental de maestro Miyazaki, en donde los sentimientos y la intuición se unen para estructurar una conmovedora e intensa visión del mundo, en donde por ejemplo el abandono de la magia de lo infantil para ingresar en el universo adulto, acontece como un evento de sortilegios, nostalgias y lecciones de vida. Una cinta imprescindible en todos los sentidos posibles.

Sin embargo uno de los prototipos del PT es sustraído de las instalaciones del Dr. Atsuko Chiba, y los responsables, poco después, principian a manejarlo dolosamente con el propósito de invadir la psique de sus propios elaboradores, devastando sus mentes durante los lapsos que duermen y sueñan. A la postre, transformado en Paprika, la figura que toma el psiquiatra en el mundo onírico, el especialista llevará a cabo una acuciosa pesquisa en aras de dar con el responsable del delito, para detenerle, y saber por fin las verdaderas razones de su criminal proceder.

Lewis Carroll y Roberto Matta en Satoshi Kon

Además de apreciarse estilísticamente una influencia positiva en Kon del legendario Katsuhiro Otomo, bien puede equipararse su talante al del desaparecido cineasta Stanley Kubrick, en el sentido de que gusta de explorar hondos universos oscuros de la mente humana, manifestada exteriormente a través de extravíos metafísicos y desdoblamientos psicópatas.

Paprika es la conclusión de un monumental tríptico acerca de la realidad interior de la mujer, siendo sus dos primeras partes, la ya citada cinta Perfect Blue y la laureada película Millennium Actress (2001). Posiblemente sea la de ritmo menos tenso y angustiante, pero sin embargo parece ser la más libre y abierta a los planteamientos y preocupaciones temáticas de Kon.

Y es que algunos segmentos de Paprika son tan vistosos y fascinantes, auténticos despliegues de gráfico surrealismo, que evocan sin problemas a ciertas páginas geniales del célebre escritor Lewis Carroll, en sus narraciones sobre Alicia; o a las místicas y caóticas composiciones del visionario pintor chileno Roberto Matta.

Satoshi Kon logra en sus más altos momentos acceder a ese espacio trascendental en donde cae la razón, desgarrada por su propia agudeza, como en Carroll; o por el lado contrario como en Matta, arribando allí desandando la ruta de las abstracciones que estructuran lo humano, hasta desembocar en ese mismo ámbito de fuerzas en ebullición, antes de todo lo expresable, donde la realidad y los sueños se entrelazan y se fecundan. Paprika, para todos los que se aventuren, está justo allí, aguardando.

Cuando la aldea de Shimoda es infectada por una letal epidemia, el clan Mochizuki sospecha que hay alguien que ha desencadenado esta funesta circunstancia. Es por eso que envían a una partida de ninjas Kohga para investigar. Pero son masacrados casi todos ellos por un temible demonio de nombre Tessai. Una de las ninjas sobrevivientes, Kagero, comienza a ser abusada sexualmente por Tessai, pero Jubei interviene y en una de las contiendas más recordadas en la historia del anime -al nivel de por ejemplo, la lucha de Kaneda con Testsuo en Akira (1988)- Jubei derrota al engendro Tessai. Esto sin embargo le acarrea la venganza de los demás demonios de Kimón.

El arte de Yoshiaki Kawajiri

Esta cinta tiene un sortilegio peculiar, ya que su compleja trama, que poco a poco inteligentemente Yoshiaki Kawajiri va desarrollando, logra atrapar al espectador sin remedio. Aunque es algo demandante, puesto que presupone un cierto conocimiento de la historia antigua de Japón, y varios de sus términos y expresiones. Por otra parte la belleza de su animación es muy destacada, hipnótica en ciertas partes. Fue galardonada en 1993 durante el festival de cine Yubari International Adventure Fanstastic con la presea Citizen’s Award.

Exploitation y anime

Dejando de lado al popular género Hentai, la huella del cine de exploitation- que se apoya debido a su bajo presupuesto temáticas fuertes y escandalosas, como el sexo, lo bizarro, lenguaje soez, el elemntro gore, etc- en el anime es patente en productos tan populares como la serie Gantz. Al respecto, una de las características más comentadas de Ninja Scroll ha sido las duras escenas de violencia sexual y gore que contiene.

Definitivamente se requiere de cierto criterio amplio y maduro para no juzgarla mal por ello, y comprender que el arte de Yoshiaki Kawajiri, se adhiere a una tendencia ya reconocida, y que también cabe justificarla por su muy particular modo de crear. Sin embargo la vida en aquella época de Japón era así de difícil y arriesgada. De tal manera que de acuerdo a su fantasía inspirada, su lirismo valioso, que complementan ese oscuro talante mencionado, Ninja Scroll es una pieza magistral del anime. Muy recomendable.

El manga de Nausicaa fue elaborado a lo largo de más de doce años- a la vez que Miyazaki se encargaba de la conducción de su Estudio Ghibli- y apareció periódicamente en la popular revista Tokuma Shoten de 1982 hasta 1994. De acuerdo al dilatado periodo de su creación es comprensible entonces que la trama del manga supere en mucho a lo presentado en la versión anime (puesto que sólo abarca los dos tomos iniciales), pero aún con esto, destaca como una de las mejores creaciones de su autor, y vive permanentemente como uno de los títulos predilectos de todos los aficionados a este maravilloso género.

La historia de la Princesa del Viento

En el fondo de la trama de Nausicaa late la profunda inquietud sobre la relación del ser humano con el medio ambiente del planeta. En un futuro lejano, tras múltiples devastaciones bélicas, el mundo es muy diferente a como lo conocemos hoy día: nuevas extrañas y asombrosas, especies de animales insectos y plantas colman el mundo. Sólo perduran algunas grandes comunidades aisladas de seres humanos, en los lugares donde la polución no se hace letal, y muchas de ellas cimentan su civilización en la utilización del viento como combustible.

La princesa de uno de estos pequeños reinos, la valiente y noble Nausicaa, acompañada por su enamorado, el audaz pero de nacionalidad rival Aspel, y el valiente anciano guerrero Lord Yupa; se enfrentará en la encrucijada de detener la guerra que enfrenta su reino con uno vecino, cuya ambiciosa monarca utiliza antiguos humanoides de fango para las batallas; y por otro lado impedir la devastación de unos gigantescos insectos los Ohmus, con quienes Nausicaa parece tener una gran empatía, y que parecen hartos de la sinrazón humana que está por llevar al borde de la destrucción total al planeta entero.

Breves apuntes sobre Nausicaa

Nausicaa expone todos los rasgos de personalidad de cada una de las posteriores heroínas de sus producciones -aunque ya se anunciaba mucho de ella en la entrañable Heidi (1974).

Miyazaki se mostraba reacio a llevar al anime esta obra, al principio accedió solamente a que fuese en un cortometraje de 15 minutos.

Persistentemente Nausicaa su sitúa dentro de las 50 mejores películas de ciencia ficción de la historia, de acuerdo al popular registro del Internet Movie Database.

La música de Joe Hisaishi es una obra maestra por cuenta propia: intensa, delicada, tierna y emotiva al límite.

En la desastrosa versión mutilada para Norteamérica de Nausicaa, titulada “Warriors of the Wind”, un muy joven Shia LaBeouf, le daba la voz al intrépido Aspel; Alison Lohman a Nausicaa. Los acompañaban en otros roles, la atractiva Uma Thurman, Mark Hamill, Edward James Olmos, y el respetado Patrick Stewart.

Uno de los animadores de esta película era un joven reflexivo al que Miyazaki le encomendó la tarea de diseñar el combate de los insectos Ohmu contra el colosal humanoide, el Gran Dios Guerrero, hecho de barro. El nombre de este joven artista: Hideaki Anno, quien a la postre creara la antológica Neon Génesis Evangelion.

Miyazaki en Occidente

El público no conocedor del anime japonés, reconoció en su justa magnitud el gran talento de Miyazaki y de su equipo de trabajo, a partir de la exhibición de la entrañable película Spirited Away(2001), merecedora de más de 35 galardones alrededor del mundo entero, incluyendo un premio Oscar a la mejor cinta de animación de aquel año. Desde entonces, cada nueva producción del Studio Ghibli es esperada con gran interés y entusiasmo por millones de aficionados al arte de este grupo de inspirados creativos, que exponen aventura y admirables valores humanos en todas sus realizaciones.

Una cinta esperada

Es por eso que, desde el mismo anuncio de su preproducción, Gake no ue no Ponyo- o también conocida como Ponyo de los acantilados- despertó muchas expectativas, y más debido al trasfondo de algunos de los personajes presentes en su trama. En efecto: Gake no Ue no Ponyo tiene como personajes principales a un niño de 5 años de nombre Sosuke y a Ponyo, la Princesa de los peces de colores, que anhela transformarse en ser humano.

De tal suerte, que se rumorea que Hayao Miyazaki tomó como inspiración para concebir al personaje de Sosuke a su propio vástago Goro Miyazaki. El apunte cobra gran interés, debido a que en una ocasión anterior, Goro realizó ciertas declaraciones públicas en las evidenciaba una mala relación con su famoso padre Hayao; posiblemente, debido a la negativa de Miyazaki a que Goro dirigiera el largometraje de animación, Gedo senki (2006), basado en una novela de la popular escritora de ciencia ficción, Ursula K. Le Guin. Se conjetura entonces, que Gake no ue no Ponyo, no fuera sino una velada contestación de Hayao a su hijo Goro, en maneras artísticas.

Ficha técnica de Ponyo de los acantilados

• Título original: Gake no ue no Ponyo
• Año: 2008
• País: Japón
• Director: Hayao Miyazaki
• Guión: Hayao Miyazaki
• Música: Joe Hisaishi y Naoya Fujimaki
• Reparto (voces): Yuria Nara, Hiroki Doi, Jôji Tokoro, Tomoko Yamaguchi, Yuki Amami, Akiko Yano, Kazushige Nagashima
• Estudio productor: Studio Ghibli
• Duración: 100 minutos