En un ameno trabajo manga, escrito y trazado por el artista Osami Takahashi, se nos presenta un reciente complemento de esta historia de mechas y ciencia ficción apocalíptica, que para muchos, es la más importante jamás creada. Sin embargo, Takahashi toma a los personajes más importantes de Evangelion y crea con ellos una divertida trama de romance y comedia en el ámbito de Tokio 3. Por lo tanto, como fue el caso de Angelic Days, este es un proyecto muy distinto al grave, denso y filosófico de la propuesta original de Hideakki Anno.

Por ejemplo, el talante particular de los protagonistas es más ligero y accesible: Shinji es un adolescente como tantos, que le gusta relacionarse y divertirse; Asuka y Rei son lindas chicas escolares que se disputan su amor, y el oscuro Kaworu aquí, en esta ágil trama, no es más que un gracioso personaje.

Una creación divertida y original

Otra gran novedad que se nos presenta en Ikari Shinji Ikusei Keikaku, es tener la oportunidad de conocer más a fondo a Yui, la madre de Shinji, una mujer con gran personalidad y carácter, capaz de tomar el control de la familia, e incluso de Gendo, quien en esta serie no es el napoleónico comandante de la historia original, sino un padre amoroso y un esposo comprensivo. Hasta el día de hoy, este manga lleva ya publicados cinco volúmenes, y se espera que tenga una duración de entregas similar a la de la versión “oficial” en manga, del anime de Anno: un trabajo de antología a cargo de Yoshiyuki Sadamoto.

En Japón, “El proyecto de la educación de Shinji Ikari” fue editado por Kadokawa Shoten, y, por su parte, la empresa norteamericana Dark House ya confirmo su interés en incluirla en sus futuras publicaciones. Eva poco a poco va ganando terreno en su tan esperado retorno, y este tipo de publicaciones, junto con las recientes cintas que paulatinamente van estrenándose, no solo amplían el mundo de Neon Genesis Evangelion, sino que lo van explorando en diversas facetas extremadamente valiosas.

Vida

Wataru Yoshizumi es el sobrenombre por el que se conoce a Mari Kanai. Se ha llegado a conocer su nombre real gracias a las pistas que ha ido dando la autora en los apartados de libre escritura de sus tomos de manga, aunque dicho nombre no está confirmado.

Nació el 18 de junio de 1963, en Tokio. Su carrera en un primer momento no estuvo orientada al manga sino que, por el contrario, llegó a entrar en la universidad pública Hitotubasi, de difícil acceso. Tras trabajar durante un tiempo como Office Lady, término japonés que denomina a las mujeres que manejan papeleo en la oficina, decidió ingresar en la universidad del manga.

En cuanto a su vida actual, Wataru es soltera y su familia se compone de sus padres y una hermana con dos hijas, que vive en Nueva York. Entre sus aficiones se encuentran viajar, el arte y la artesanía, las flores, ir de compras y el tenis, deporte presente en alguna de sus obras. Como hobby destacado está su afición a coleccionar fotografías adhesivas (muy populares en Japón), que le envían sus fans y que guarda en un álbum.

Obra

En 1984 debutó como mangaka con una historia corta, “Radical Romance”, publicada en la revista Ribon, donde continuará publicando sus posteriores trabajos. Durante los siguientes años continuó escribiendo historias cortas, que finalmente fueron recopiladas en un solo tomo que recibió el nombre de una de ellas, “Quarret Game”.

No fue hasta 1988 cuando apareció su primer manga largo, “Hanasumu na Kanojyo”, con nueve tomos y que fue llevado a las pantallas en forma de OVA, cuatro años después, en 1992.

Su obra por la que la autora ha sido más reconocida es “Marmalade Boy”. Se publicó entre 1992 y 1995 y su éxito fue tal que además de crearse un anime y un OVA a partir de el manga, también se publicaron artbooks e incluso videojuegos. Este anime fue además una de las series que introdujo el shojo en España.

Estilo

Antes de comenzar a dibujar cualquier trabajo la Wataru Yoshizumi se dedica a desarrollar el argumento principal. Una vez definido el marco, la autora realiza una serie de indagaciones para informarse sobre algunos aspectos en los que se pueden ver involucrados los protagonistas. Esto es notable, por ejemplo, en el manga “Mint na Bokura”, para el cual realizó la visita a un internado donde la informaron de la vida llevada en el centro.

Vida

Yuu Watase nació el 5 de marzo de 1970. Desde una temprana edad demostró su afición al mundo del dibujo y del manga y no tardó en mejorar sus aptitudes. Con tan sólo 18 años debutó en la revista Shojo Comics con su obra “Pajama no Ojama” (“Visita en Pijama”). Fue en dicha revista donde la mangaka continuó publicando posteriores trabajos.

Obra

Desde su debut, Watase a llegado a acumular un total de hasta ocho series manga, algunas de ellas muy recientes y aún abiertas. Desde su primer trabajo, el mencionado “Pajama no Ojama”, una comedia romántica en la que una chica puede transportarse a la habitación de otras personas por el hecho de llevar su mismo pijama, la escritora ha mostrado su preferencia por las publicaciones de tipo shojo.

Entre sus trabajos también podemos encontrar algunas novelas en las que ha continuado o creado historias paralelas a partir de sus mangas con más acogida como “Ceres, la leyenda celestial” o “Fushigi Yugi”. Estos libros contienen historias básicamente literarias y con pocas ilustraciones, pero no por ello dejan de ser interesantes para los fans.

Técnica

Su especialidad en cuanto al dibujo, según ella misma reconoce, son los denominados bishonen, cuya traducción vendría a significar “chicos guapos”. A pesar de su fuerte tendencia al shojo, en octubre de 2008 la autora comenzó una nueva etapa de su carera lanzando en la revista Shonen Sunday su primer shonen, “Anata Kangatari”.

En cuanto a los materiales, prefiere la tinta de color y suele usar en sus ilustraciones rotuladores de pigmento de color. En ocasiones ha usado el ordenador, pero su preferencia es el coloreado manual por resultarle más rápido.

Entrevistas

Yuu Watase ha sido entrevistada por diversas revistas manganime españolas por su palpable éxito en este país, por el que no han pasado inadvertidas sus obras más relevantes. En dichas publicaciones, la mangaka ha admitido ser una persona bastante perfeccionista y crítica con su trabajo. Su inspiración, según ha comentado, llega en muchas ocasiones del visionado de películas, afirmando que sus preferidas son las producciones estadounidenses.

La autora considera su trabajo como un método de expresión en el que es importante plasmar parte de la personalidad, ya que una obra puede influir en el lector. Esto la lleva a esforzarse al máximo en sus obras para conseguir argumentos de calidad, aunque, según sus propias palabras, lo más importante para ser un buen mangaka es que te guste tu trabajo.

Después de este acontecimiento, en el que Nodame rescatara a Chiaki en una noche de juerga, la chica “parásito” no se le separa al joven bajo ninguna circunstancia, y le nombra como su “príncipe de armadura”, o “el amor de su primavera”. Cualquier actividad que Chiaki realiza, Nodame piensa que es con dedicación a ella, motivando que crezca cada vez más su amor y su apego. Pero nada de esto sucede en el corazón de Chaiki, que en realidad apenas y puede tolerar la presencia de Nodame, puesto que su extroversión extrema le atemoriza.

Talento y extravagancia

La consideración de Chiaki con respecto a Nodame no varió en lo absoluto a pesar de descubrir que la joven tenía una gran facilidad para tocar en el piano. Y es que Nodame no es para nada formal ni constante en su vocación artística. No sigue ningún tipo de reglas, ni de pautas: simplemente improvisa notas de acuerdo al arbitrio de su emotividad. Y esto supera el ámbito de la música para verse manifestado en su vida cotidiana, ya que su casa está sucia y desordenada, con ropa y trastes arrojados por doquier.

Incluso parece que esta falta de atención y cuidado también se relaciona con la apariencia personal de Nodame. Ante esto Chiaki decide ayudar a Nodame y procede a limpiar su apartamento, aunque luego de unos días todo vuelve a su caótico estado inicial. A pesar de todo comienzan a convivir más, e incluso Chiaki alimenta a Nodame, convencido de que ella no puede hacerlo adecuadamente por cuenta propia.

Aparece un personaje inesperado

Con el paso del tiempo Nodame se involucra más con el modo de ser de Chiaki, le atiende mejor y logra ser más cuidadosa en sus propios asuntos. Pero no demasiado, porque en el fondo sigue siendo la misma chica despreocupada de siempre. Chiaki, por su parte, también se ha vinculado más con Nodame, e incluso se ha adaptado al estilo de tocar el piano de la joven, por lo cual ya logran ensamblar buenas interpretaciones y han llegado a conjuntar una aceptable mancuerna.

Es en esta etapa de la historia cuando aparece en escena Ryuutaro Mine, hijo de un cocinero, y quien está convencido de que nadie toca el violín mejor que él.

La trama de Mobile Suit Gundam 00

En 2037 los humanos han agotado enteramente todo el combustible de tipo fósil del planeta, por lo que fundamentan toda la actividad de su civilización en la energía fotovoltaica recolectada por medio de varias estaciones espaciales que giran alrededor de la Tierra. Sin embargo esta circunstancia no evita el lamentable y perenne conflicto por las desigualdades sociales y económicas, por lo que se han desencadenado una serie de pavorosas conflagraciones que han acarreado mucho sufrimiento y pesar para millones de personas. Ante esto, cuatro combatientes de los diferentes ejércitos del orbe sustraen sus equipos Mobile Suit para conformar un comando que luche exclusivamente por la paz y la reconciliación mundial, en contra de los tiranos interesados en sojuzgar a las demás naciones.

Una obra atrevida y exitosa

Mobile Suit Gundam 00 es una tentativa experimental para la Sunrise en varios sentidos, puesto que simplemente el director del proyecto Seiji Mizushina no sabía mucho acerca de las entregas anteriores del concepto, y sus trabajos recientes estaban más en la línea de la fantasía manejada por series como la amena FullMetal Alchemist o la gustada Shaman King. Además, los libretos de Gundam 00 fueron elaborados por Yosuke Kuroda, que si bien ciertamente había participado en historias con una gran carga dramática como por ejemplo Trigun, Hellsing o Infinite Ryvius, es más recordado como el cerebro detrás de la exitosa Onegai Teacher, Jungla de Ikou o la popular serie Excel Saga, todas colmadas de risas y amable fan service. Por último, para aseverar lo inusual del equipo creativo de Gundam 00 hay que mencionar que el diseño de personajes de esta serie estuvo encomendada ni más ni menos que a Yun Koga, una célebre creadora de mangas de género yaoi como por ejemplo Loveless o Earthian.

• Nombre: Ken Akamatsu
• Fecha de Nacimiento: 5 de julio de 1968
• Lugar de Nacimiento: Kanagawa
• Signo Zodiacal: cáncer
• Ocupación: mangaka

Biografía

Ken Akamatsu nace en Kanagawa, el 5 de julio de 1968. En la adolescencia comenzó a mostrar su talento para el manga colaborando en fanzines. Encamina sus estudios universitarios hacia el campo audiovisual, sin embargo, tras suspender dos veces el éxamen de acceso a la Universidad de Tokyo, decide matricularse en literatura en la Universidad de Chuô.

Siendo todavía estudiante universitario gana el concurso de la revista Weekly Shonen Magazine. En 1994 publica su primera obra, Ai ga Tomaranai, una historia romántica salpicada de cierto erotismo. 1997 sería el año en que Akamatsu conocería el éxito a través de Love Hina, consiguiendo figurar durante más de cinco años seguidos en los primeros puestos de ventas de Japón. En esta obra muestra su talento para crear chicas guapas y con poca ropa encima, rozando en ocasiones el ecchi, aparte de su habilidad para crear situaciones cómicas.

Experto en comedia romántica, Akamatsu también se atreve con otros estilos, y ejemplo de ello es Mahoo Sensei Negima, donde el protagonista es un brujo de 10 años que trabaja de profesor en una escuela femenina

Estilo Akamatsu

Las intenciones de este mangaka son, principalmente, divertir al público y excitarle ligeramente, incluso emocionarle, y para ello utiliza sus puntos fuertes: el romance, las situaciones embarazosas y, sobre todo, las chicas.

Es partidario de utilizar viñetas grandes, sobre todo para resaltar los momentos de tensión, pero también utiliza a menudo las viñetas pequeñas para dar velocidad al ritmo temporal de la historia; las líneas cinéticas para otorgar movimiento; los cambios contínuos de plano… Todo ello da lugar a una fórmula única para crear el caos y la diversión.

Su obra maestra

Love Hina fue premiada en el año 2001 con el Premio Kodansha al Mejor Manga. De ella ha salido la versión animé, tres OVA’s, distintas versiones especiales, y juegos para Sega, Nintendo y PlayStation.

El argumento de esta historia gira en torno a un estudiante que, al igual que Akamatsu, ha suspendido dos veces el éxamen de acceso a la Universidad de Tokyo. Este es el motivo por el que los padres del protagonista lo echan de casa y él se traslada a vivir a la posada de su abuela. El caso es que la posada ya no es tal posada, sino que se ha convertido en una residencia para chicas donde Keitarô vivirá todo tipo de situaciones cómicas.

Obras Destacadas:

• Ai Ga Tomaranai (1994)
• Always My Santa
• Love Hina (1997)
• Mahoo Sensei Negima (2003)

Premios:

• Weekly Shonen Magazine
• 2001: Premio Kodansha al Mejor Manga por Love Hina

• Nombre: Takehiko Inoue
• Fecha de nacimiento: 12 de enero de 1967
• Signo Zodiacal: capricornio
• Gran pasión: baloncesto
• Ocupación: mangaka

Biografía

Nace el 12 de enero de 1967 en la prefectura de Kagoshima. De niño tenía un sueño: ser estrella del baloncesto; se pasaba las tardes mirando a sus amigos jugar al baloncesto mientras él realizaba sus primeros dibujos manga. Mientras estudia en la universidad se convierte en ayudante del mangaka Tsukasa Hojo, creador de City Hunter.

Debuta en 1988 con una historia corta, Kaede Shime, por la cual recibe el prestigioso Premio Tezuka. Sus comienzos no podían ser más prometedores. A continuación, le seguiría Chameleon Jail, obra en dos volúmenes publicada en 1989, y tras ella, Inoue retoma su gran pasión, el baloncesto, creando Slam Dunk, con la cual conocerá el éxito a nivel internacional. Comienza a publicarla en 1991, a través de la editorial Shueisha, concretamente en la revista Shukan Shonen Jump. Para Inoue, el baloncesto es toda una escuela de via y así lo refleja en esta obra, desarrollando en ella todo un repertorio de emociones humanas. Slam Dunk se convierte en manga de culto en Japón, superando los cien millones de ejemplares vendidos. Takehiko Inoue, agradecido a sus lectores, publica un anuncio en varios periódicos importantes para dar las gracias a éstes por su fidelidad.

En 1998 surge Vagabond, donde narra la historia de un samurái emblemático dentro de la historia popular japonesa, Miyamoto Musashi. En este manga es más evidente la intención de Inoue de transmitir un mensaje de concienciación a su público. Tacharon la obra de violenta en extremo, a lo cual él respondió “No disfruto dibujando a personas que se dedican a matar. Sólo quiero dibujar a los seres humanos tal cual son (…). Quiero que mis dibujos expresen el dolor y la gravedad de la muerte“.

Estando todavía con la serie de Vagabond, Takehiko Inoue comienza una nueva saga deportiva, Real, donde vuelve a su deporte favorito, esta vez con la particularidad de que los jugadores están discapacitados. A Inoue le gusta ponerse en la piel de sus personajes, así que se compra una silla de ruedas para intentar saber como se sientes los jugadores paralíticos. Él mismo ha dicho al respecto: “el papel del mangaka es hacerse eco de los sueños de todos los que no se conforman con la realidad, incluso si esos sueños llevan a veces a la desilusión“.

Estilo Inoue

Su estilo es personal, original con mayúsculas, siendo perfectamente reconocibles sus ilustraciones. Pone un especial cuidado en la realización de las escenas deportivas, rodeándolas de espectacularidad y acción. Domina la anatomía humana y el movimiento, para este último es decisivo el uso que hace de las cinéticas, llegando en algún momento a prescindir de ellas para crear la sensación de cámara lenta. En otras secuencias hace uso de un efecto cinematográfico de aproximación por planos, consiguiendo un increíble efecto de movimiento, de emoción y de suspense.

Más allá del manga

Al igual que su buen amigo Naoki Urasawa, Inoue tiene otra pasión aparte del manga, el baloncesto. Bajo su estudio ha mandado construir una enorme pista de baloncesto que no tiene nada que envidiar a las de la NBA, y en ella se desahoga un rato todos los días.

Otra faceta poco conocida del autor son sus trabajos como ilustrador publicitario para la marca de cosméticos Shisheido.

El humanismo de este mangaka, lo han convertido en uno de los dibujantes más comprometidos del manga comercial.

OBRAS DESTACADAS:

• Kaede Shime (1988)
• Chameleon Jail (1989)
• Slam Dunk (1991)
• Vagabond (1998)
• Real

PREMIOS:

• Premio Tezuka, por Kaede Shime (1988)

• Nombre: Naoki Urasawa
• Fecha Nacimiento: 2 de enero de 1960
• Signo zodiacal: capricornio
• Lugar de Nacimiento: Tokyo
• Gran Pasión: el rock
• Ocupación: mangaka

BIOGRAFÍA

Naoki Urasawa nace el 2 de enero de 1960 en Tokyo. Durante su época de instituto reparte su tiempo libre entre el manga y la música. Posteriormente se licencia en económicas por la Universidad de Meisei, y comienza a escribir manga. En 1982 se le otorga el “Premio al mejor mangaka” de Shogakukan, una de las tres grandes editoriales japonesas, y a partir de ahí comienza su carrera como profesional del manga. 1983 es el año en el que ve la luz su obra debut, Beta, una historia de ciencia ficción. Su colaboración en 1984 con Kazuo Koike en la obra Pinneaple Army (donde se narran las aventuras de Jedd Goshi, ex-combatiente del Vietnam, que forma parte de Civilian Military Aids, grupo antiterrorista) le supone su primer contacto con el éxito. Yawara (Ginger en Occidente) aparece en 1987, convirtiéndose en su primera obra importante que lo da a conocer a nivel internacional. Por esta obra (inspirada en la vida de Isao Inokuma, judoka japonesa que ganó la medalla de oro en los Juegos Olímpicos de Tokyo en 1964) se le concederá el “35º Premio Shogakukan” en 1990. En 1988 comienza Master Keaton, con guión de Hokusei Katsuhika, manga que realiza simultáneamente a Yawara. En 1999 recibe el galardón más prestigioso de Japón, el Premio Tezuka, por su manga Monster, inquietante thriller de gran fuerza narrativa. El talento de Urasawa llega a su cénit con Nijûseiki Shonen (20th Century Boys), obra madura donde los recuerdos de infancia de sus protagonistas son la clave para desenmascarar a un terrorista que pretende destruir la Tierra. Inicia, en 2004, Pluto, retomando un antiguo personaje de Osamu Tezuka, una apuesta arriesgada que ha tenido enorme éxito en Japón.

Mas allá del manga

Naoki Urasawa tiene su corazón dividido entre el manga y el rock. Siempre ha querido ser un gran guitarrista, por ello no es de extrañar que en su lujosa casa, situada en la parte alta de Tokyo, haya acondicionado un local de ensayo, donde se aisla cada día para dejar escapar sus emociones a través del sonido de su guitarra. Él mismo confiesa “mi sueño sería sacar un álbum, pero tendría que encontrar una discográfica que quisiera producirlo“. Su mayor tesoro es una guitarra dedicada por los Rolling Stones.

Estilo Urasawa

Urasawa mantiene un alto ritmo de producción que no por ello va en detrimento de la calidad de guiones o ilustraciones. Es habitual en él el compaginar la publicación de dos series a un mismo tiempo. En parte, esto es posible gracias a su equipo de asistentes, siempre bajo su supervisión contínua.

Con un estilo más bien clásico, si algo hace resaltar sus historias son sus excelentes guiones, que lo han convertido en referente internacional en cuanto al thriller (Monster recibió el “Premio al Mejor Guión” en el 2003, en el Festival de Angulema, y 20th Century Boys el “Premio a la Mejor Serie” en el 2004, también en el mismo festival). Engancharse a sus obras es tan fácil como leer tan solo el primer capítulo de las mismas, pues consigue despertar el interés y la curiosidad del lector dejándolo siempre deseoso por conocer la continuación de la trama. La escenografía de sus viñetas se dibuja con especial cuidado para no romper el ambiente de intriga, con golpes de efecto en el final de cada episodio, confiriendo toques inquietantes a sus obras. Urasawa da muestras de una especial habilidad en el diseño de las facciones de sus personajes, sencillas pero con personalidad propia aún así, dominando un amplio repertorio de expresiones destacable en particular en el transcurso de los diálogos.

En tan sólo 10 años, Kurasawa ha conseguido que lleguen a considerarle el nuevo Dios del Manga, encendiendo con sus mangas pasiones que van más allá de la moda del momento.

OBRAS MÁS DESTACADAS:

• Beta (1983)
• Pinneaple Army, con Kazuo Koike, (1984)
• Yawara (1987)
• Master Keaton, con guión de Hokusei Katsuhika,  (1988)
• Monster
• Nijûseiki Shonen (20th Century Boys)
• Pluto (2004)

PREMIOS:

• Premio al mejor mangaka, Shogakukan (1982)
• 35º Premio Shogakukan, por Yawara (1990)
• Premio Tezuka, por Monster (1999)
• Premio al Mejor Guión, Festival de Angulema, por Monster (2003)
• Premio a la Mejor Serie, Festival de Angulema, por 20th Century Boys (2004)

• Nombre: Riyoko Ikeda
• Fecha de nacimiento: 18 de diciembre de 1947
• Signo zodiacal: sagitario
• Ocupación: Mangaka, Escritora y Cantante lírica.

BIOGRAFÍA:

Nace el 18 de diciembre de 1947. Cursaba la carrera de filosofía (impuesta por sus padres) cuando comienza, con 20 años, en el mundo del manga publicando Bara Yahiski no Shôjo (1967) en la revista Shojo Friend, historia breve inspirada por la obra de Osamu Tezuka de quien era fiel seguidora.

En 1970, tras leer la biografía de la reina francesa María Antonieta escrita por Stefan Zweig, comienza su afición a crear shojo histórico, surgiendo de su pluma Versailles no Bara (La Rosa de Versalles), ambientada en la Revolución Francesa, donde su protagonista (Oscar François de Jarjayes) es educada como un hombre con intención de convertirse en capitán de la Guardia Real Francesa. Este personaje, totalmente ficticio, es prácticamente una leyenda en Japón. Con esta obra pulveriza todos los récords de ventas del género y se mete en el bolsillo a un público femenino bastante abandonado en el sector. Según palabras de la propia autora “El fenómeno me sobrepaso. (…) Tuve que mantener un ritmo infernal para poder entregar cada semana las planchas a la revista que las publicaba (…). A veces tenía que meter las manos en agua congelada varios minutos para aliviar los calambres“. El caso es que vendió millones de ejemplares y sigue vendiendo pues La Rosa de Versalles (Versailles no Bara) se ha convertido en un shojo imprescindible, que se reedita constantemente; incluso en el 2002, en Japón se celebró el 30º aniversario de su publicación con reediciones, actos públicos y sellos de curso legal.

Tras este enorme éxito, se mantiene fiel al shojo histórico, con alguna excepción. Destaca por ejemplo Oniisama e (1973), levantando polémica por tratar en ella temas que por aquel entonces eran poco habituales en el shojo: lesbianismo, drogas o suicidio. Tras ésta, llegarían Orpheus no Mado, Jotei Ecaterina, Elizabeth, Nieberung no Yubiwa, Ten no Hate Made Poorando no Hishi o Eikou no Napoleón: Eroika (donde uno se reencuentra con personajes de La Rosa de Versalles).

Dentro del campo del Animé, varias series de Riyoko Ikeda fueron adaptadas a la pequeña pantalla. Evidentemente, Versailles no Bara está entre ellas, además de Oniisama e, está última marcó a toda una generación y fue reeditada en formato DVD.

ESTILO IKEDA

Fue pionera en las técnicas destinadas a reflejar el pensamiento de los protagonistas. El monólogo interior es vital en sus historias. Sus personajes tienen grandes y expresivos ojos, silueta estilizada y melenas alborotadas. La mirada de éstes es fundamental: creó distintos brillos para expresar los diferentes estados de ánimo, dejándolos en blanco cuando la situación es realmente impactante. No duda en romper la cuadrícula de la página, dando un toque más dinámico al diseño de la misma.

Riyoko Ikeda es considerada impulsora del manga histórico. Admirada e imitada, creó escuela con su estilo y los controvertidos temas de alguna de sus obras.

En 1991 realiza una momentánea conclusión como mangaka para concentrarse en su otra pasión: el canto lírico. Se encargará de las narraciones, contando con Erika Miyamoto como dibujante oficial.

OBRAS:

• Bara Yahiski no Shôjo (1979)
• Versailles no Bara (1972)
• Oniisama e (1973)
• Orpheus no Mado (1974)
• Jotei Ecaterina (1982)
• Eikou no Napoleón: Eroika (1987)
• Shoutoki Taishi (1991)
• Ten no Hate Made Poorando no Hishi (1991)

PREMIOS:

• Su obra Orpheus no Mado fue premiada como Mejor historia nunca escrita para un manga.

FICHA:

• Nombre: Jirô Taniguchi
• Fecha de nacimiento: 12 de agosto de 1947
• Signo zodiacal: Leo
• Ocupación: mangaka

BIOGRAFÍA

Jirô Taniguchi nace tal día como un 12 de agosto de 1947, en Tottori. Desde siempre tuvo claro que quería ser mangaka, así que nada más acabar sus estudios en el instituto se dirige a Tokyo. Una vez allí, comienza a trabajar como asistente para otros mangakas (uno de ellos Kyôta Ishikawa), aprendiendo las técnicas y secretos del mundillo.

En 1970 pública su primera obra de creación propia, Kareta Heya (La habitación árida) en Young Comic, de la editorial Shonen Gahosha. Posteriormente, en 1976, comienza lo que sería una larga colaboración profesional con el guionista Natsuo Sekikawa, realizando varias historias del género policíaco, entre las que destaca Hotel Harlbour View (1980) en la que se entreveé la madurez del estilo Taniguchi, detallista y de ritmo pausado. La culminación de esta estrecha colaboración será Bochan no Jidai (La época de Botchan), obra maestra en la que se recrea, a lo largo de cinco volúmenes, una parte de la historia de la literatura nipona, llamando sus ilustraciones la atención de público y crítica.

En la década de los noventa, sus trabajos se vuelven más profundos y personales. A esta etapa pertenecen obras como Blanco (1990) o Arukihito (El caminante, 1990), este último editado en un sólo volúmen supone un hermoso ejemplo de su personalidad nipona, su narrativa es sobria, minimalista en texto, pues todo queda expresado en los gestos del personaje con una maestría tal que uno se involucra y ve todo a través de los ojos del protagonista. En 1995 se publica Chichi no koyomi (El almanaque de mi padre), estupenda y enternecedora historia donde el personaje principal conoce a su padre mediante una retrospectiva de recuerdos que surgen durante el funeral.

ESTILO TANIGUCHI

Maestro del manga costumbrista es una clara referencia para los nuevos autores de cómic. El suyo no es un típico manga; tiene una forma especial de transmitir los sentimientos de sus personajes, así como el paso del tiempo a través de un poético juego de luces y sombras. El silencio es vital en su obra, además del diálogo interior; en las conversaciones recurre a menudo al plano y contraplano, alternando panorámicas con la voz en off.

Es uno de los mangakas más europeos, de hecho él mismo reconoce estar influído por la obra de Moebius o Crespin, pero también es un embajador de su Japón natal, al cual recrea como pocos, intentando que el público occidental entienda mejor y quiera más al país nipón por el cual él siente tanto cariño que desborda de su plumilla y queda reflejado en sus historias. Humilde y tímido, declara “el simple hecho de poder dibujar lo que me gusta basta para que me sienta satisfecho“.

OBRAS EN ESPAÑOL:

• Barrio lejano (Ponent Mon)
• El almanaque de mi padre (Planeta Agostini)
• El caminante (Ponent Mon)
• El rastreador (Ponent Mon)
• El olmo del cáucaso y otras historias (Ponent Mon)
• El viajero de la tundra (Ponent Mon)
• Hotel Harbour View (Planeta Agostini)
• La época de Botchan (Ponent Mon)
• TIerra de sueños (Ponent Mon)

PREMIOS:

• 1992: Premio Shogakikan Manga, por Inu wo kau.
• 1998: Premio Osamu Tezuka Culture Award, por Bochan no Jidai.
• 1999: Premio a la Excelencia del Festival de Artes Mediáticas de la Agencia de Asuntos Exteriores, por Harakuna Machi E.
• 2001: Premio a la Excelencia del Festival de Artes Mediáticas de la Agencia de Asuntos Exteriores, por Kamigami no Itadaki.