En un ameno trabajo manga, escrito y trazado por el artista Osami Takahashi, se nos presenta un reciente complemento de esta historia de mechas y ciencia ficción apocalíptica, que para muchos, es la más importante jamás creada. Sin embargo, Takahashi toma a los personajes más importantes de Evangelion y crea con ellos una divertida trama de romance y comedia en el ámbito de Tokio 3. Por lo tanto, como fue el caso de Angelic Days, este es un proyecto muy distinto al grave, denso y filosófico de la propuesta original de Hideakki Anno.

Por ejemplo, el talante particular de los protagonistas es más ligero y accesible: Shinji es un adolescente como tantos, que le gusta relacionarse y divertirse; Asuka y Rei son lindas chicas escolares que se disputan su amor, y el oscuro Kaworu aquí, en esta ágil trama, no es más que un gracioso personaje.

Una creación divertida y original

Otra gran novedad que se nos presenta en Ikari Shinji Ikusei Keikaku, es tener la oportunidad de conocer más a fondo a Yui, la madre de Shinji, una mujer con gran personalidad y carácter, capaz de tomar el control de la familia, e incluso de Gendo, quien en esta serie no es el napoleónico comandante de la historia original, sino un padre amoroso y un esposo comprensivo. Hasta el día de hoy, este manga lleva ya publicados cinco volúmenes, y se espera que tenga una duración de entregas similar a la de la versión “oficial” en manga, del anime de Anno: un trabajo de antología a cargo de Yoshiyuki Sadamoto.

En Japón, “El proyecto de la educación de Shinji Ikari” fue editado por Kadokawa Shoten, y, por su parte, la empresa norteamericana Dark House ya confirmo su interés en incluirla en sus futuras publicaciones. Eva poco a poco va ganando terreno en su tan esperado retorno, y este tipo de publicaciones, junto con las recientes cintas que paulatinamente van estrenándose, no solo amplían el mundo de Neon Genesis Evangelion, sino que lo van explorando en diversas facetas extremadamente valiosas.

Derivada de su propuesta de una abierta y tolerante “razón débil”, en contra de una racionalidad impositiva y de lógica extenuante, Gianni Vattimo, una de las figuras más relevantes de la intelectualidad europea contemporánea, desarrollo su teoría de la ética de la interpretación. Pensando en un ambiente secularizado y posmoderno, Vattimo propone deslegitimar los postulados morales absolutos, puesto que solo conducen al sufrimiento e insatisfacción de millones de personas, para en cambio, cultivar una tendencia ética circunscrita a determinada comunidad de sentido.

De allí que la hermenéutica sea la plataforma teórica adecuada para desarrollar estrategias de eticidad fomentadoras de relaciones humanad más valiosas y perdurables. Lo bueno y lo malo de ciertas acciones solo podrán ser consideradas así en determinada región, pero no más allá de sus límites. Sin embargo, es preciso llevar a cabo un dialogo multicultural ininterrumpido, dentro de los parámetros del pensamiento débil y la hermenéutica, para gestar mundo, para acrisolar humanidad, por medio de flujos de entramados comunicacionales que modifiquen esos “valores” relativos, interpretados, de acuerdo al ejemplo de otras experiencias sociales.

El Sensei Miyazaki como hermeneuta

Si se observa desde cierta perspectiva, Miyazaki comparte muchas de las iniciativas de Vattimo. Basta pensar por ejemplo en los valores que defiende la pequeña Heidi, en la antológica serie de anime de los setentas, cuyas determinaciones éticas parecerían inverosímiles para un habitante de la populosa y civilizada Frankfurt decimonónica, pero en cambio, tendrían un sentido pleno y determinado para los habitantes de los majestuosos Alpes suizos.

De igual manera Vattimo estaría muy complacido con Miyazaki en la heroica defensa de la comunicación y el establecer acuerdos vitales, por parte de la admirable Nausicaa, entre criaturas tan disímiles (hermenéuticamente diferentes) como los belicosos humanos postapocalípticos, y los colosales insectos pensantes, los Ohmu, en la preciosa cinta futurista Kaze no Tani no Naushika (1984). Finalmente, cómo no hallar una convergencia ,no solo intelectual, sino además muy emotiva, entre los ideales de sociabilidad posmoderna de Vattimo, y el tesón espiritual de San, la princesa de los lobos, y Ashitaka, en su pugna por preservar el sentido sagrado de la naturaleza y sus misterios, en la extraordinaria Mononoke Hime (1997).

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Arsenio Lupin, extraordinario ladrón de etiqueta, creado por el novelista francés Maurice Leblanc, es un antihéroe tan popular y querido que incluso llegó a equipararse literariamente con personajes de la talla de Sherlock Holmes, el gran detective de Sir Arthur Conan Doyle. El Lupin de Leblanc, cuya figura está inspirada en la del histórico anarquista francés Marius Jacob, fue calificado alguna vez por el profundo pensador Jean Paul Sartre como el “Cyrano de los bajos fondos”. Y en efecto, el encanto de Lupin proviene de utilizar los recursos más elevados del ingenio humano para salir avante de todas las dificultades que se le presentan a cometer sus robos de guante blanco, además es instruido, conoce varias técnicas de combate, es alegre y noble, y posee un éxito notable con las chicas más hermosas. Expone, estando del lado siniestro de la ley, una alegría de vida de la que carece el recto Holmes, que si bien es lógico y certero, no deja de exponer una sutil angustia existencial, que trata de sofocar con ciertos vicios.

Esto se puede explicar por el hecho de que ambos personajes provienen de los relatos policiales, los primeros en la historia de la cultura moderna, de la autoría de Edgar Allan Poe, en su trilogía del genial Auguste Dupin. Poe, en su temperamento en continua tensión, guardaba la esencia contrapuesta de las creaciones posteriores de Doyle y Leblanc: el lógico Holmes y el intuitivo Lupin.

Lupin III

Dentro de la trama del manga de Kazuhiko Kato y del anime de Hayao Miyazaki, Lupin III es el nieto de este personaje literario que hemos mencionado. Y sus aventuras desarrolladas en varias partes del mundo son muy disparatadas, divertidas y llenas de acción. Es un ladrón locuaz y valiente, que siempre está acompañado por sus ayudantes Oscar, un mafioso malencarado, Francis, un leal samurái, y Patricia, una chica seductora e irresistible. Como máximo enemigo tiene Lupin III a un tozudo policía de nombre Basilio, que lo persigue hasta el cansancio.

Todo un clásico del manganime, este personaje publicado por primera vez en la revista Manga Action en 1967, y desde entonces han aparecido un total de doce volúmenes manga, seis películas, tres series de anime, varios especiales televisivos, un musical, diversos OVAs, discos compactos musicales, videojuegos; e incluso se ha hablado de una posible versión live action para Hollywood.

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El anime contemporáneo expone, temática y estilísticamente las pautas de la posmodernidad, que por ejemplo el filósofo italiano Gianni Vattimo entiende como la consecuencia cultural de la facilidad humana de manipular técnicamente la naturaleza. Esta actividad se ha acentuado, y sigue haciéndolo, hasta el punto que, si en un ámbito determinado se producen acontecimientos nuevos, las estrategias intensivas para preveerlos los tornará cada vez menos “novedosos”.

De tal suerte que, para Vattimo, en la actualidad no hay nada “revolucionario”, ni sorprendente: toda transformación radical se ha agotado. Esta inmovilidad profunda del presente histórico han sabido plasmarla de manera muy original e inspirada algunos de los más brillantes creativos del anime y del manga, expresando frecuentemente esta circunstancia sociocultural como una reducción literal de toda la realidad humana a la experiencia de ámbitos de pura virtualidad e imágenes variopintas. Esto puede hacerse patente en los trabajos del brillante Satoshi Kon, como Perfect Blue(1998), Millennium Actress (2001) y Paprika(2006); y del maestro Katsuhiro Otomo en Robot Carnival (1987), Neotokio: laberinto de historias (1987) y la antológica Akira (1988).

El valor del nihilismo

Pero a juicio de Vattimo, para el nihilista extremo, el portavoz de la posmodernidad, de la decadencia de la metafísica, y de la muerte de lo instituido, ni aún con la difuminación de los antiguos valores de corte judeo-platónico-hegeliano significa la recuperación de un espacio apto para obtener el justo valor de las cosas: no hay borrón y cuenta nueva, porque la misma noción de “nueva” es la que ha perdido todo su sentido, y arrastrando consigo la realidad misma, el mundo implicado, del objeto cuenta.

De esta manera, para algunos de los más conocidos creadores del anime, nada vale de por sí, porque ya no es pertinente hablar de algo particular, para cierto elemento de la realidad. Este sería el caso del gran Hideakki Anno y su saga de Neon Génesis Evangelion o el de Ichirô Itano y su serie de “exploitation” y ficción científica, Gantz (2004).

Toda divinidad puede inspirar, a los seres humanos, veneración y respeto, pero antes que nada un gran temor, y esto ha sido una constante desde los tiempos antiguos. Este sentido de sobrecogimiento ante la trascendencia bien pudo haber generado el surgimiento mismo del fenómeno humano, al modo de una reacción digna y orgullosa ante esta presencia impositiva y abrumadora. La obra de Goya titulada “Saturno devorando a sus hijos” es una muestra fehaciente de ello. En este oleo impactante puede contemplarse a una enorme deidad desnuda, devorando a mordiscos el cuerpo sin vida de un ser humano, en un ambiente de tinieblas densas.

Goya tuvo el acierto de percibir que en cada veneración a los dioses, en cada entrega religiosa, excesiva y no meditada, hay un cierto canibalismo en el que la que mucho de lo más valioso de la vida se ofrenda sin sentido, y a costa de un gran sufrimiento, a una grotesca e inasible presencia especular.

El sentido simbólico de ciertos personajes de la mitología o de la leyenda, como el titán Prometeo, los gigantes Oto y Efialtes- que apilaron montañas para llegar al Olimpo y derrocar a Zeus, o también Satanás serían un ejemplo de esta inconformidad activa en contra de la circunstancia de realidad en donde una deidad violenta y autoritaria nos consume la vida. En el anime Neon Genesis Evangelion, donde los humanos construyen robots para luchar contra los Ángeles de Dios, en el episodio donde Shinji combate contra Kaworu Nagisa, se hace una referencia directa a esta composición de Goya.

Tomando el control del monstruo

Pero sorpresivamente también Goya, o alguno de sus alumnos más cercanos, nos ofrece otra perspectiva del asunto, en la famosa pintura titulada “El Coloso” cuando al asumir este sentimiento de independencia el hombre construye una imagen de sí similar a la del dios para poder combatirlo. De pronto, ante tal situación, el nuevo dios de sí mismo se percata del peligroso poder que ha adquirido capaz de controlar al universo entero situándose como centro del mismo.

Este es el vértigo reflexivo que producen títulos de anime tan emblemáticos como Mazinger, Voltron, Gundam, Patlabor o Macross por ejemplo: los seres humanos pueden asumir la divinidad de sí mismos, pero con el riesgo de producir muerte y destrucción entre sí, al ser incapaces de soportar la ingente responsabilidad que esto implica. Tal parece ser el sentido de la citada pintura “El Coloso” atribuida tradicionalmente a Goya, en donde un gigante ominoso camina sembrando el terror por un páramo en el que multitudes escapan empavorecidas.

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Abrumado por sus tormentas interiores y por la insoportable presión a la que está siendo sometido por toda la gente que le rodea en Nerv, el joven Ikari Shinji decide escapar, acompañado únicamente por su reproductor musical, hacia ninguna parte. Es impresionante el modo en el que Anno comunica en este episodio, el número cuarto, titulado “Lluvia después de que el huyera”, el aislamiento interno en el que Shinji se encuentra, la desolación extrema de su espíritu.

El pasaje en donde se abisma en su introversión en el tren suburbano, en un cine semivacío, o mientras duerme en una estación de transporte remiten directamente al Ingmar Bergman de la cinta El Silencio (1963), en donde un pequeño niño, hijo de una mujer que junto con su hermana se hallan atrapadas en un país extraño, incomprensible y ominoso, se dedica a recorrer los pasillos vacíos de un hotel alucinante sin poder entablar comunicación con nadie. El conmovedor sentido de este episodio puede ser parangonable también con la coincidencia metafísica de soledad interior y exterior, que se presenta en la pintura de Andrew Wyeth, titulada “El mundo de Christina”.

Introversión redentora

Sin embargo, en cierto punto de su escape, parece que Shinji ha llegado por fin a cierto destino concreto: luego de recorrer mucha distancia, el joven parece hallar un suave consuelo interior en la nobleza de su aislamiento, la pureza de su soledad.

Dos imágenes son claves en este sentido: la de Shinji transitando por los límites de la ciudad vacía, cuando su silueta en sombras se aprecia ínfima en comparación con los descomunales edificios enrojecidos por la luz del alba; y cuando Shinji, habiendo salido por fin de la metrópoli contempla el paisaje silvestre, y siente en el rostro una brisa proveniente de un cielo de sosiego y nubes blancas. Pareciera que Shinji al intentar fugarse de su realidad exterior, ha podido llegar hasta los límites mismos de su introversión, a logrado arribar a un borde de la realidad solo abordable por una cabal asunción de la soledad existencial propia, un sincero esfuerzo de contemplación y una mística sabiduría. En mismo sentido, podemos relacionarlo con la obra del pintor Caspar David Friedrich, titulada “El monje frente al mar”.

La trama de Chihiro

La introvertida Chihiro acompaña a sus padres rumbo a su hogar y toman un desvío por un desnivel intrigante. Cuando suben al exterior, encuentran una ciudad aparentemente desolada. Luego, allí, los padres comen de modo compulsivo hasta que adquieren una forma porcina, y entonces Chihiro se percata de que alguien los observa.

Al llegar la noche, la ciudad se colma de espíritus, y Chihiro debe superar sus temores con el objetivo de rescatar a sus padres y retomar el regreso a su casa. Entonces, ayudada por un espíritu de nombre Haku, se ocupa en vigilar la ciudad y así descubre la presencia de la bruja Yubaba. Ella es la líder de todos los espíritus y la única que al parecer tiene los poderes necesarios para auxiliarla en sus propósitos.

Alegoría de la madurez

El viaje de Chihiro es la lectura que hace Miyazaki de ‘Alicia en el país de las maravillas’ de Lewis Carrol. Las escenas trabajadas por el sensei Miyazaki desbordan calidad e inspiración, y Miyazaki compone decenas de espíritus y de seres increíbles que deambulan por un ámbito de leyes indescifrables y de una lógica absurda. Recién nacidos titánicos que hacen temblar al mundo entero con sus rabietas; entes malévolos que obsequian oro para después acabar con todo lo que les rodea; personajes que transforman su forma y temperamento a la menor oportunidad: Haku es progresivamente niño, dragón, y espíritu. De la misma manera, Chihiro demuestra primero conturbación, luego un pronunciado temor, para al final exponer valentía y nobleza. Descubre el valor de comprender y de hacerse oir en un universo tan fantástico y desconocido como el de la adultez, que sin embargo deberá aprender y controlar para poder manejarse en la vida coherentemente. Chihiro demuestra una sabiduría de alteridad que nos religa con el imperioso devenir de nuestra esencia.

Remi es un ser que desde pequeño sólo ha podido comprenderse en la relación que ha tenido- con o contra los demás. Más allá de su pobreza, de sus múltiples carencias, Remi era feliz con su familia adoptiva- en ese entonces él no sabía de esta condición- en el pueblo francés en donde habitaba cuando se inicia la trama de la serie. Luego, sin entender porque razón culpa o derecho, es vendido al músico ambulante Vitalis. Sus avatares tortuosos de allí en adelante por ganarse el pan de cada día, no le darán la oportunidad de tomar conciencia de su propia persona, sino sólo de sobrevivir con respecto a las consecuencias de su interacción con los demás (es más cercano a los héroes infantiles de Dickens que a la reflexiva Niétochka Nezvánova del gran Dostoyevski).

El vacío de su corazón

Pronto, las experiencias vividas al lado de otras personas que conoce en sus andanzas: sus camaradas callejeros, la maldad de algunos policías, hosteleros o comerciantes, el tesón de ciertos animalitos, o las familias que habrían podido adoptarle; todo ello le dejará a Remi muchas enseñanzas de la existencia que nunca olvidará, pero que sin embargo nada podrán hacerle conocer de su propia esencia: colmar ese vacío que lleva en el corazón.

El final del viaje, el cisne emprende el vuelo

Al culminar su travesía, Remi podrá reconciliarse con su propia identidad: encontrará a su madre verdadera, a su hermanito, y a su futura esposa, la niña Lissette. Ellos habitan un hermoso barco en forma de cisne, que constantemente deambula por entre los ríos de la Francia. Y así, como un cisne igual, como un pequeño patito feo, Remi, desde pequeño extravió su identidad y sólo hasta que alcanzó la madurez suficiente, merced a todo el aprendizaje de vida que recibió en sus avatares, pudo, como la emblemática ave, descubrir la belleza entera de su plumaje espiritual, identificarse en la pureza incólume de su propia alma.

Una nueva ruta de vida se extiende ahora para Remi, es hora de emprender el vuelo: cuidará de su madre, de su hermano que no puede caminar y de Lissette que no puede hablar. Seguirá pues, siendo para otros, pero esa existencia dedicada tendrá ahora un sentido, una trayectoria cierta, vivenciada, desde el novedoso conocimiento del ser propio, hasta el reconocimiento acrecentado acerca del valor de la existencia de los demás.

Vitalis, dentro de la trama de la serie, fue la persona a la que le fue vendido el niño Remi, a cambio de un puñado de monedas, en una sucia taberna de provincias francesa. Su alcohólico padrastro había llevado allí al infante, mientras la madre adoptiva, que sí quería a Remi, se hallaba ausente, de la humilde morada que habitaban. El vicio, la miseria y una acentuada ruindad moral fueron los motivos que orillaron al padrastro a llevar a cabo el singular negocio. Las angustiosas lágrimas del niño no fueron tomadas en cuenta: Remi fue conducido por Vitalis hacia las afueras del poblado y de la vida de su pequeña familia. Su pequeño mundo.

El secreto del anciano vagabundo

Pronto Remi descubrió que al imponente anciano lo acompañaban en su permanente peregrinación a través de los pueblos y ciudades provenzales, un grupo de animales amaestrados que estaba integrada por tres perros, y un monito. Era una compañía teatral ambulante: Vitalis era un artista callejero que se dedicaba a divertir a los habitantes de las comunidades que visitaba a cambio de algunas monedas con que comprar pan, pagar un cuarto sucio para pasar la noche y luego poder seguir adelante en la indefectible travesía. A pesar de todo, con el tiempo, Vitalis llegó a ser alguien muy importante en la vida de Remi, pues le enseñó disciplina, rigor, resistencia y un gran amor por la creatividad propia. En cierto momento de sus vivencias compartidas Remi pudo conocer acerca del secreto pasado de Vitalis.

El fin de Vitalis

Vitalis había sido en su juventud una de las figuras más importantes de la opera de su tiempo: tuvo fama, éxito, fortuna. A la postre, todo lo perdería por una enfermedad nefasta que le quebrantó las facultades hasta conducirlo a su menesterosa condición. Sus tribulaciones se ahondarían progresivamente, porque ya en las calles sufrió humillaciones, burlas y encarcelamientos. Sin embargo, al final de su existencia, Vitalis pudo hallar una conmovedora redención, puesto que durante una furiosa tormenta de nieve, al ver a Remi desfalleciente, acumuló paja sobre el niño y se sacrificó cubriéndolo con su propio cuerpo para protegerle del frío letal. Así salvo la vida de Remi, y perdió la suya.

Un creador fracasado, un artista de sí

Tal fue el fin de Vitalis, ese ser que fracasó en crear arte para los demás, pero que pudo hacer una misericordiosa creación, mediante un arte trágico, de su propio ser, ofrendado a lo humano: su fin.

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Trabajos

Todos sabemos en que manera, en Japón, el trabajo es considerado un don además de un deber, por eso no resulta extraño que cualquier oficio pueda acabar convirtiéndose en la fuente de inspiración para un manga de éxito.

La incorporación del lector maduro a la lectura de mangas en la década de los 80, propicia este tipo de temática, con la cual se siente identificado.

Este tipo de mangas suelen describir la trayectoria de un trabajador en concreto, desde sus comienzos como aprendiz hasta que llega a sus máximos logros. Los sarariman manga pueden estar teñidos de humor, como por ejemplo Fuji Santarô, de Sanpei Satô, o Tanaka-kun, de Hiroshi Tanaka, o ir en un tono más serio y realista: Kachô Shima Kôsaku, de Kenshi Hirokane, es un buen ejemplo de ello.

Los mangakas han llegado a inspirarse en su propia profesión, como el dúo Fujio-Fujiko, que realizan una semiautobiografía en Manga Michi (El camino de los manga, 1978).

Un campo importante dentro de este género lo abarca el manga gastronómico. En Hochonin Ajihei (1973), de Jiro Gyû y Jo Biggu, se nos narra la historia del hijo de un chef que acaba convirtiéndose por méritos propios en uno de los grandes cocineros de su país. Otros ejemplos son: Míster Ajikko (Daisuke Terazawa, 1986), Cooking Papa (Tochi Ueyama, 1986), o Oishinbô (Tetsu Kariya y Akira Hanisaki, 1984).

Hobbies

Si las jornadas laborales en Japón son maratonianas, nada mejor que contar con un hobby, una pasión fuera del trabajo, con la que desahogarse del duro día laboral. Así, también éstes se han convertido en temática manga, existiendo en el mercado japonés editoriales y revistas dedicadas por entero a los mangas sobre aficiones, llevándose la palma las que tratan sobre el pachinko (similar al pinball) y el mahjong (especie de dominó).

Un hobby apreciado en Japón es el golf y al respecto, un ejemplo en manga sería Rising Impact, de Nakaba Suzuki. Hay aficiones extrañas como la parapsicología (QP, de Kazumi Oya, o I-O-N, de Arina Tanemura), la magia (Maho Tsukaitai!), aficianados a la investigación (Meitantei Conan, de Gosho Aoyama, o Kindaichi Shonen no Jikenbo, de Amagi Seimaru y Sato Fumiya). Lori, protagonista de I”s pertenecía al club del teatro; en Gokincho Monogatari (Ai Yazawa), la protagonista pertenece a un club de moda; los héroes de Pretty Scope!, de Nase Yamato, pertenecen a un club de fotografía; Kei de Kizuna (Kodaka Kazuma) y los protagonistas de Koucha Ouji (Nanpei Yamada) son miembros del club del Té.

Como podemos ver, la inspiración de los mangakas surge de todos los ámbitos de la vida… Cualquier hobby, cualquier trabajo, un poco de imaginación… y ya tenemos un manga de éxito!!.