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El día 29 de Octubre Takeshi Shudo sufrió la madrugada del jueves una hemorragia subaracnoidea. Aunque fue trasladado de inmediato al hospital, nada pudieron hacer por salvar su vida.

Este famoso escritor es el principal autor de los primeros años del anime Pokémon además de ser el responsable de las primeras películas. También es conocido por animes como Martian Successor, Magical Princess Minky Momo, Legend of the Galactic Heroes y Tokusou Kihei Dorvack.

En la actualidad estaba totalmente involucrado en un trabajo para Cheer Figu!, un proyecto que todavía se desconoce si se va a tratar de una producción anime o que se tratará de una OVA. Takeshi Shudo se estaba encargando del escenario y de la trama original.

Pokémon

Esta franquicia ha logrado abarcar todas las formas de entretenimiento, como por ejemplo juegos de cartas, además de crear una marca propia de ropa de conocida mundialmente.

El origen de la historia Pokemon es un videojuego creado por Game Frak y distribuida por la compañía Nintendo. El objetivo central del juego es capturar la mayor posible cantidad de pokémon y entrenarlos para poder desarrolar sus habilidades y ganar batallas a lo largo de la historia.

Tanto el anime, que ha pasado a la historia, como el manga están basados en el videojuego. Cuentan la historia de Ash Ketchum, un chico que se está iniciando como entrenador. Su primer pokémon es Pikachu, con el que estará a lo largo de toda la aventura. Según pasa el tiempo conocerá a personajes como Misty y Brock que le acompañaran en el viaje.

Magical Princess Minky Momo

Takeshi Shido también escribió obras como Magical Pricess Minky Momo, una princesa del reino Finalinasa, un país de fantasía. El rey le manda a la tierra para que Minky Momo consiga evitar que Finalinasa se separe de la Tierra mediante la tarea de recuperar la ilusión y los sueños de la gente. Para ello utiliza la magia haciendo creer a una pareja que siempre ha sido su hija.

Este anime se compone de 63 episodios y fueron emitidos durante un año, desde 1982 hasta 1983. Al finalizar la serie y coincidiendo que Miny Momo se convierte en un habitante más de la tierra, comienza las OVA’s

El arte del musical

El teatro musical tiene sus orígenes en la civilización griega. Fueron ellos los primeros en agregar música, danza, diálogos hablados y cantados, todo mezclado de forma armónica, a sus representaciones teatrales.

El género fue refinándose y, con el paso de los siglos, se extendió al resto del mundo. Su evolución tuvo muchas etapas, incluyendo el cambio a las llamadas “comedias musicales”, que surgieron a mediados del siglo XVII, particularmente en la escena teatral francesa. Su época de oro, en occidente al menos, estuvo entre los años 1940 y 1960.

En Japón, el teatro tradicional japonés Nou es una de las formas orientales de teatro musical, pero éste, en su forma occidental, comenzó a popularizarse tras la Segunda Guerra Mundial.

Musicales y anime

La industria siempre está en busca de nuevos productos con que encantan a los consumidores y la fusión entre anime y musicales fue una excelente estrategia de unir dos tipos de público diferente en torno a algo totalmente diferente a lo visto hasta entonces.

Es así como el mundo de anime comenzó a cobrar vida en las tablas de los escenarios teatrales, siendo una de las primeras obras La Rosa de Versailles que fue representada, por primera vez, en 1975, por la Moon Trouppe, basándose en el manga de Riyoko Ikeda.

Con el tiempo, muchas de las obras más célebres del anime y el manga han sido adaptadas a la versión musical. Algunas de las más conocidas son:

• Saint Seiya Musical: Un musical realizado en 1991, con el auspicio de Bandai, en el Aoyama Theatre de Tokyo y que contaba los capítulos de la saga del Santuario y de Poseidón, del extraordinario manga homónimo de Masami Kurumada. Los cinco Santos de Bronce fueron interpretados por los miembros del grupo musical SMAP.
  
• Sailor Moon Musicals: También conocidos como SeraMyu, son una serie de 29 musicales que, desde 1993 y hasta 2005, llevaron a cabo más de 800 presentaciones por todo Japón.
  
• Tenisu no Oujisama Musicals: Sin duda uno de los proyectos más exitosos, Tenimyu es la adaptación de Tenisu no Oujisama. El primer musical fue estrenado el 2003, en el Tokyo Geijutsu Gekijou y, desde entonces, se han continuado desarrollando nuevos musicales, siguiendo la línea argumental del manga.
  
• Bleach Musical: También conocido como Burimyu, es la adaptación del famoso manga y anime homónimo. Se inició en 2005, con una presentación en el Space Zero Tokyo Center en Shinjuku.

Así que ya lo saben. No dejen de estar atentos pues nunca se sabe en qué momento una de sus series favoritas puede ser llevada a las tablas, arrastrada por la musicalomanía que inunda el mundo del espectáculo japonés actual.

En un ameno trabajo manga, escrito y trazado por el artista Osami Takahashi, se nos presenta un reciente complemento de esta historia de mechas y ciencia ficción apocalíptica, que para muchos, es la más importante jamás creada. Sin embargo, Takahashi toma a los personajes más importantes de Evangelion y crea con ellos una divertida trama de romance y comedia en el ámbito de Tokio 3. Por lo tanto, como fue el caso de Angelic Days, este es un proyecto muy distinto al grave, denso y filosófico de la propuesta original de Hideakki Anno.

Por ejemplo, el talante particular de los protagonistas es más ligero y accesible: Shinji es un adolescente como tantos, que le gusta relacionarse y divertirse; Asuka y Rei son lindas chicas escolares que se disputan su amor, y el oscuro Kaworu aquí, en esta ágil trama, no es más que un gracioso personaje.

Una creación divertida y original

Otra gran novedad que se nos presenta en Ikari Shinji Ikusei Keikaku, es tener la oportunidad de conocer más a fondo a Yui, la madre de Shinji, una mujer con gran personalidad y carácter, capaz de tomar el control de la familia, e incluso de Gendo, quien en esta serie no es el napoleónico comandante de la historia original, sino un padre amoroso y un esposo comprensivo. Hasta el día de hoy, este manga lleva ya publicados cinco volúmenes, y se espera que tenga una duración de entregas similar a la de la versión “oficial” en manga, del anime de Anno: un trabajo de antología a cargo de Yoshiyuki Sadamoto.

En Japón, “El proyecto de la educación de Shinji Ikari” fue editado por Kadokawa Shoten, y, por su parte, la empresa norteamericana Dark House ya confirmo su interés en incluirla en sus futuras publicaciones. Eva poco a poco va ganando terreno en su tan esperado retorno, y este tipo de publicaciones, junto con las recientes cintas que paulatinamente van estrenándose, no solo amplían el mundo de Neon Genesis Evangelion, sino que lo van explorando en diversas facetas extremadamente valiosas.

Cuando Shinji se encuentra de visita en las instalaciones en donde se conservan bajo un minucioso análisis, los restos de un ángel que recientemente se han obtenido; el joven piloto se percata de la presencia en el lugar de Gendo, su padre, como siempre imponente y avasallador. Shinji, sin poder acercarse mucho a él, como es habitual por mor de su tímido talante, descubre unas impresionantes cicatrices por quemadura que el comandante general de Nerv, tiene en las manos.

La doctora Ritsuko le comenta a Shinji que Gendo se las produjo algunas semanas atrás cuando se estaban llevando a cabo pruebas para el manejo del Eva 00. En cierto instante de los procedimientos, el Eva perdió el control y Rei tuvo que ser expulsada del humanoide biomecánico por medio de una cápsula de emergencia. En el momento en el que Gendo abrió las escotillas al rojo vivo de la cápsula para rescatar a Rei, fue cuando se quemó la palma de sus manos.

Secretos del alma

Al escuchar esto, toma conciencia Shinji, de la familiaridad que Rei tiene con Gendo, infinitamente mayor que la que él, guarda con su progenitor, el comandante. Cuando Rei, ya rehabilitada, emprende de nuevo las interrumpidas pruebas con el Eva 00, las alarmas de Nerv se activan, un nuevo ángel ataca. Shinji sale a combatir. No es difícil percibir en el triángulo de relaciones Gendo- Rei/Yui- Shinji la dinámica del complejo de Edipo. Shinji tiene un sentimiento de atracción y de rechazo por su padre. Pero el conflicto de Shinji se funda en dos vías. Una con referencia a la falta de respeto que Gendo le muestra, y la otra por el deseo que siente por Rei.

Al final Shinji se unirá sexual/sublimemente con Rei/Yui, cuando se lleve a cabo el Plan de Complementación Humana, en el marco de la batalla del fin del mundo. No obstante pronto se verá que todo ha sido consecuencia del anhelo de Gendo por volver a encontrarse con Yui. Por lo tanto, hay una repetición de la postrera derrota edípica, la del héroe tebano en contra de la Esfinge, en Shinji, quien aún logrando superar todos los obstáculos al final solo consigue salvar el universo, en su interior, por una ambición de su padre.

Quizá toda vida humana esté condicionada por este fracaso existencial, y el mundo entero no sea sino el derivado de pasiones encontradas.

• Nombre: Souichirou HOSHI
• Fecha de nacimiento: 30 de mayo de 1972
• Ciudad de nacimiento: Aizuwakamatsu, Fukushima, Japón
• Tipo de sangre: B
• Ocupación: Seiyuu
• Agencia: Arts Vision
• Website oficial: Perfil @ Arts Vision

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Biografía:

Souichirou Hoshi es uno de los actores de voz más populares y queridos de Japón. Este talentoso seiyuu y cantante ha trabajado en la escena artística japonesa por más de diez años y ha dado vida a algunos de los personajes más populares del mundo del anime y los radio dramas.

El hombre

Souichirou Hoshi es una persona más bien introvertida, que no gusta de figurar ni de obtener demasiada luz pública, por lo que no es mucho lo que se sabe de su vida o gustos personales. De sus apariciones en eventos y programas de radio, así como de sus mensajes de voz en algunos sencillos, se nota que Hoshi es una persona cariñosa, respetuosa y afable, que tiene un gran cariño por su trabajo y por sus compañeros.

Posee numerosos sobrenombres, entre los que figuran Hosshii, Sou-niichan y Pappii-san. Este último se convirtió en algo así como su saludo característico en los programas y eventos a los que asiste. De hecho, en la Maratón de las 100 canciones de Tenipuri, lo primero que hizo al aparecer en el escenario interpretando su solo como Mukahi Gakuto, fue decir hola de esta forma.

Se sabe que admira profundamente Toshiyuki Morikawa, que es uno de sus colegas en Arts Vision y su “sempai” (o sea, su “superior” por tener más antigüedad en la empresa, más experiencia, etc.). También tiene muy buenas relaciones con Akira Ishida y con Masayo Kurata, con quien realizó su debut formal como actor de voz en el anime Bit The Cupid.

El seiyuu

Souichirou Hoshi es un actor de voz increíblemente versátil, capaz de interpretar papeles muy diferentes entre sí y de modificar su voz impresionantemente. Sin embargo, su tono siempre tiene un dejo que le hace reconocible, al menos para sus fans.

Sus principales roles son de jóvenes apasionados y alegres, impusivos y energéticos, pero asimismo ha interpretado a personajes serenos y suaves y, con mucha frecuencia, juega el rol de personaje “uke” (o “femeninos”) en las historias de drama CDs o animes yaoi. Esto, debido a la facilidad con que es capaz de hablar delicadamente y dar la impresión de un personaje tierno y delicado.

Algunos de sus roles de anime más conocidos son Kazuma (s-CRY-ed), Eisen (Harukanaru Toki no Naka de), Kain Blueriver (Lost Universe), Gakuto Mugaki (Tenisu No Oujisama) y Yamato Kira (Kidou Senshi Gundam SEED), entre muchísimos otros. También ha participado en infinidad de juegos de video, tanto basados en las series de anime ya existentes, como en juegos originales.

También participa con frecuencia en eventos. Por ejemplo, casi siempre aparece en los Neo Romance Festa, por su papel en Harukanaru Toki No Naka de. Asimismo, participó en la Maratón de las 100 canciones de Tenipuri y ha formado parte del equipo permanente de varios programas de radio como Heartful Station (junto a Megumi Hayashibara), Voice Crew (con Atsuko Enomoto) o Radio Saiyuuki~Waratte So-Ichiro~. En este último show es en donde nació la costumbre de saludar diciendo “Pappii”.

Por su mismo carácter reservado, Souichirou Hoshi suele aparecer bajo el nombre de Takeshi Aiba en los juegos o CDs para adultos en los que participa.

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Roles:

Anime:

1993

• Nintama Rantarō (Senzo Tachibana)

1995

• Bit The Cupid (Modem)

1996

• Case Closed (Tamanosuke Ito)

1998

• Ginga Hyōryū Vifam 13 (Roddy Shuffle)
• Lost Universe (Kain Blueriver)
• Steam Detectives (Narutaki)

1999

• Gokudo (Issa)
• ToHeart (Masashi Sato)

2000

• Argento Soma (Takuto Kaneshiro/Ryu Soma)
• Infinite Ryvius (Yuki Aiba)
• Saiyuki (Son Goku)

2001

• Angelic Layer (Ohjiro Mihara)
• Croquette! (Rizotto)
• Haré+Guu (Seiichi Tachibana)
• Rave Master (Lucia Raregroove)
• s-CRY-ed (Kazuma)
• Tales of Eternia: The Animation (Keele Zeibel)
• Tenisu No Oujisama (Gakuto Mukahi)
• Tokyo Underground (Ginnosuke Isuzu)

2002

• Ai Yori Aoshi (Kaoru Hanabishi)
• GetBackers (Kazuki Fuuchouin)
• Kikou Sennyo Rouran (Yamato Mikogami)
• Melody of Oblivion (Skyblue)
• Mirmo! (Kaoru Matsutake)
• Naruto (Yashamaru)
• Onegai Teacher (Kei Kusanagi)
• Piano: The Melody of a Young Girl’s Heart (Takizawa)
• Samurai Deeper Kyo (Akira)

2003

• .hack//Legend of the Twilight (Reki)
• Ai Yori Aoshi Enishi (Kaoru Hanabishi)
• Beyblade G-Revolution (Brooklyn)
• Kidou Senshi Gundam Seed (Yamato Kira)
• Onegai Twins (Kei Kusanagi)
• Planetes (Kyutaro Hoshino)
• Pluster World (Mashanta)

2004

• Gun X Sword (Michael Garret)
• Kidou Senshi Gundam Seed Destiny (Yamato Kira)
• Harukanaru Toki no Naka de ~Hachiyousho~ (Eisen)
• Meine Liebe (Camus)
• Tactics (Sugino)
• Tenjou Tenge (Souichiro Nagi)

2005

• Battle B-Daman (Akyuras)
• Kaiketsu Zorori (Arthur)
• Law of Ueki (Seiichirou Sano)
• Märchen Awakens Romance (Alviss)
• Sukina Mono wa Suki Dakara Shōganai! (Sunao Fujimori, Ran)
• Xenosaga THE ANIMATION (chaos)

2006

• Blaue Rosen (Akira Shiraishi)
• Digimon Data Squad (Masaru Daimon)
• Higurashi no Naku Koro ni (Keiichi Maebara)
• Kirarin Revolution (Seiji Hiwatari)
• Princess Princess (Akira Sakamoto)

2007

• Bokurano (Masaru Kodaka)
• Ghost Hound (Makoto Oogami)
• Shining Tears X Wind (Souma Akizuki,  Zero)

2008

• Code Geass: Lelouch of the Rebellion R2 (Gino Weinberg)
• Macross Frontier (Brera Sterne)
• Tytania (Bal’ami Tytania)
• Vampire Knight (Senri Shiki)
• Vampire Knight Guilty (Senri Shiki)

OVAs

.hack//Liminality (Makino)

Películas

• Babar, King of Elephants (Arthur)
• Crayon Shin-chan Adventure in Hender Land (Gōman)
• Doraemon Nobita no Taiyouou Densetsu (Kakao)
• Kara no Kyoukai: The Movie – Chapter 2 (Rio Shiwazumi)

Juegos de video

• Arlin (Atelier Iris: Eternal Mana)
• Atsumori Taira no (Harukanaru Toki no Naka de)
• Butz Klauser (Dissidia: Final Fantasy)
• Calintz (Magna Carta)
• Camus (Meine Liebe)
• Canard Pars (Gundam SEED Astray)
• Carrol Martel (Apocripha/0)
• Chaos (Yeshua) (Xenosaga series)
• Copain (SKYGUNNER)
• Eisen (Harukanaru Toki no Naka de)
• Enrique (Skies of Arcadia)
• Erich Jaeger (Ace Combat 3: Electrosphere)
• Fayt Leingod (Star Ocean: Till the End of Time)
• Itsuki Tachibana (Fatal Frame II: Crimson Butterfly)
• Keele Zeibel (Tales of Eternia )
• Kilik (Soul Calibur, Soul Calibur II, Soul Calibur III)
• Masashi Sato (ToHeart )
• Motomi Minamotono (Harukanaru Toki no Naka de)
• Natsuki Kariya (Gunparade March)
• Raphael (Romancing SaGa -Minstrel Song)
• Ryu (Super Puzzle Fighter II Turbo)
• Takeru Shirogane (Muv-Luv)
• Takeru Shirogane (Muv-Luv Alternative)
• Shounen (Ever17)
• Souma Akizuki (Shining Wind)
• Sunao Fujimori (Sukina Mono wa Suki Dakara Shōganai!)
• Takeshi Kuranari (Ever17)
• Tendou Jin (Tokimeki Memorial Girl’s Side 1st Love)
• Tomoe Shirosaki (Hanayoi Romanesque~ Ai to Kanashimi)
• Vandolf (Shining Force Neo)
• Xion (Shining Tears)
• Sanada Yukimura (Sengoku Basara)
• Scorpio (Devil Kings)

Drama CD

• Akira (Samurai Deeper Kyo)
• Akira Shiraishi (Ai wo Utau yori Ore ni Oborero; Blaue Rosen)
• Chrome Takagi (Chrome Breaker)
• Daisuke Niwa (D.N.Angel WINK series )
• Hikaru Hitachiin (Ouran High School Host Club)
• Hiroya Fujimoto (Yatteraneeze!)
• Haru Yukima (7 Seeds)
• Ichinose Katsuya (BALETTSTAR)
• Ikuto Touhouin (Nagasarete Airantou)
• Joshua Christopher (Chrono Crusade)
• Jun Ichinomiya (Cafe Kichijoji de)
• Jun Yamamoto (Special A)
• Kanata Izumo (Snow)
• Keiichi Maebara (Higurashi no Naku Koro ni )
• Senri Shiki (Vampire Knight)
• Soul Eater Evans (Soul Eater)
• Sunao Fujimori (Sukina Mono wa Suki Dakara Shōganai!)
• Tomoe Shirosaki (Hanayoi Romanesque)
• Yuki Sakurai/Gioh (Uragiri wa Boku no Namae wo Shitteiru)

Doblaje

• Power Rangers in Space (Andros (Christopher Khayman Lee))
• Power Rangers Lost Galaxy (Andros (Christopher Khayman Lee))
• Thomas and the Magic Railroad (Patch)

Tokusatsu

• Engine Sentai Go-onger (Engine Birca)

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Derivada de su propuesta de una abierta y tolerante “razón débil”, en contra de una racionalidad impositiva y de lógica extenuante, Gianni Vattimo, una de las figuras más relevantes de la intelectualidad europea contemporánea, desarrollo su teoría de la ética de la interpretación. Pensando en un ambiente secularizado y posmoderno, Vattimo propone deslegitimar los postulados morales absolutos, puesto que solo conducen al sufrimiento e insatisfacción de millones de personas, para en cambio, cultivar una tendencia ética circunscrita a determinada comunidad de sentido.

De allí que la hermenéutica sea la plataforma teórica adecuada para desarrollar estrategias de eticidad fomentadoras de relaciones humanad más valiosas y perdurables. Lo bueno y lo malo de ciertas acciones solo podrán ser consideradas así en determinada región, pero no más allá de sus límites. Sin embargo, es preciso llevar a cabo un dialogo multicultural ininterrumpido, dentro de los parámetros del pensamiento débil y la hermenéutica, para gestar mundo, para acrisolar humanidad, por medio de flujos de entramados comunicacionales que modifiquen esos “valores” relativos, interpretados, de acuerdo al ejemplo de otras experiencias sociales.

El Sensei Miyazaki como hermeneuta

Si se observa desde cierta perspectiva, Miyazaki comparte muchas de las iniciativas de Vattimo. Basta pensar por ejemplo en los valores que defiende la pequeña Heidi, en la antológica serie de anime de los setentas, cuyas determinaciones éticas parecerían inverosímiles para un habitante de la populosa y civilizada Frankfurt decimonónica, pero en cambio, tendrían un sentido pleno y determinado para los habitantes de los majestuosos Alpes suizos.

De igual manera Vattimo estaría muy complacido con Miyazaki en la heroica defensa de la comunicación y el establecer acuerdos vitales, por parte de la admirable Nausicaa, entre criaturas tan disímiles (hermenéuticamente diferentes) como los belicosos humanos postapocalípticos, y los colosales insectos pensantes, los Ohmu, en la preciosa cinta futurista Kaze no Tani no Naushika (1984). Finalmente, cómo no hallar una convergencia ,no solo intelectual, sino además muy emotiva, entre los ideales de sociabilidad posmoderna de Vattimo, y el tesón espiritual de San, la princesa de los lobos, y Ashitaka, en su pugna por preservar el sentido sagrado de la naturaleza y sus misterios, en la extraordinaria Mononoke Hime (1997).

[youtbe:http://www.youtube.com/watch?v=pkWWWKKA8jY]

Arsenio Lupin, extraordinario ladrón de etiqueta, creado por el novelista francés Maurice Leblanc, es un antihéroe tan popular y querido que incluso llegó a equipararse literariamente con personajes de la talla de Sherlock Holmes, el gran detective de Sir Arthur Conan Doyle. El Lupin de Leblanc, cuya figura está inspirada en la del histórico anarquista francés Marius Jacob, fue calificado alguna vez por el profundo pensador Jean Paul Sartre como el “Cyrano de los bajos fondos”. Y en efecto, el encanto de Lupin proviene de utilizar los recursos más elevados del ingenio humano para salir avante de todas las dificultades que se le presentan a cometer sus robos de guante blanco, además es instruido, conoce varias técnicas de combate, es alegre y noble, y posee un éxito notable con las chicas más hermosas. Expone, estando del lado siniestro de la ley, una alegría de vida de la que carece el recto Holmes, que si bien es lógico y certero, no deja de exponer una sutil angustia existencial, que trata de sofocar con ciertos vicios.

Esto se puede explicar por el hecho de que ambos personajes provienen de los relatos policiales, los primeros en la historia de la cultura moderna, de la autoría de Edgar Allan Poe, en su trilogía del genial Auguste Dupin. Poe, en su temperamento en continua tensión, guardaba la esencia contrapuesta de las creaciones posteriores de Doyle y Leblanc: el lógico Holmes y el intuitivo Lupin.

Lupin III

Dentro de la trama del manga de Kazuhiko Kato y del anime de Hayao Miyazaki, Lupin III es el nieto de este personaje literario que hemos mencionado. Y sus aventuras desarrolladas en varias partes del mundo son muy disparatadas, divertidas y llenas de acción. Es un ladrón locuaz y valiente, que siempre está acompañado por sus ayudantes Oscar, un mafioso malencarado, Francis, un leal samurái, y Patricia, una chica seductora e irresistible. Como máximo enemigo tiene Lupin III a un tozudo policía de nombre Basilio, que lo persigue hasta el cansancio.

Todo un clásico del manganime, este personaje publicado por primera vez en la revista Manga Action en 1967, y desde entonces han aparecido un total de doce volúmenes manga, seis películas, tres series de anime, varios especiales televisivos, un musical, diversos OVAs, discos compactos musicales, videojuegos; e incluso se ha hablado de una posible versión live action para Hollywood.

[youtube:http://www.youtube.com/watch?v=qyxc18fyp58&feature=related]

El anime contemporáneo expone, temática y estilísticamente las pautas de la posmodernidad, que por ejemplo el filósofo italiano Gianni Vattimo entiende como la consecuencia cultural de la facilidad humana de manipular técnicamente la naturaleza. Esta actividad se ha acentuado, y sigue haciéndolo, hasta el punto que, si en un ámbito determinado se producen acontecimientos nuevos, las estrategias intensivas para preveerlos los tornará cada vez menos “novedosos”.

De tal suerte que, para Vattimo, en la actualidad no hay nada “revolucionario”, ni sorprendente: toda transformación radical se ha agotado. Esta inmovilidad profunda del presente histórico han sabido plasmarla de manera muy original e inspirada algunos de los más brillantes creativos del anime y del manga, expresando frecuentemente esta circunstancia sociocultural como una reducción literal de toda la realidad humana a la experiencia de ámbitos de pura virtualidad e imágenes variopintas. Esto puede hacerse patente en los trabajos del brillante Satoshi Kon, como Perfect Blue(1998), Millennium Actress (2001) y Paprika(2006); y del maestro Katsuhiro Otomo en Robot Carnival (1987), Neotokio: laberinto de historias (1987) y la antológica Akira (1988).

El valor del nihilismo

Pero a juicio de Vattimo, para el nihilista extremo, el portavoz de la posmodernidad, de la decadencia de la metafísica, y de la muerte de lo instituido, ni aún con la difuminación de los antiguos valores de corte judeo-platónico-hegeliano significa la recuperación de un espacio apto para obtener el justo valor de las cosas: no hay borrón y cuenta nueva, porque la misma noción de “nueva” es la que ha perdido todo su sentido, y arrastrando consigo la realidad misma, el mundo implicado, del objeto cuenta.

De esta manera, para algunos de los más conocidos creadores del anime, nada vale de por sí, porque ya no es pertinente hablar de algo particular, para cierto elemento de la realidad. Este sería el caso del gran Hideakki Anno y su saga de Neon Génesis Evangelion o el de Ichirô Itano y su serie de “exploitation” y ficción científica, Gantz (2004).

Toda divinidad puede inspirar, a los seres humanos, veneración y respeto, pero antes que nada un gran temor, y esto ha sido una constante desde los tiempos antiguos. Este sentido de sobrecogimiento ante la trascendencia bien pudo haber generado el surgimiento mismo del fenómeno humano, al modo de una reacción digna y orgullosa ante esta presencia impositiva y abrumadora. La obra de Goya titulada “Saturno devorando a sus hijos” es una muestra fehaciente de ello. En este oleo impactante puede contemplarse a una enorme deidad desnuda, devorando a mordiscos el cuerpo sin vida de un ser humano, en un ambiente de tinieblas densas.

Goya tuvo el acierto de percibir que en cada veneración a los dioses, en cada entrega religiosa, excesiva y no meditada, hay un cierto canibalismo en el que la que mucho de lo más valioso de la vida se ofrenda sin sentido, y a costa de un gran sufrimiento, a una grotesca e inasible presencia especular.

El sentido simbólico de ciertos personajes de la mitología o de la leyenda, como el titán Prometeo, los gigantes Oto y Efialtes- que apilaron montañas para llegar al Olimpo y derrocar a Zeus, o también Satanás serían un ejemplo de esta inconformidad activa en contra de la circunstancia de realidad en donde una deidad violenta y autoritaria nos consume la vida. En el anime Neon Genesis Evangelion, donde los humanos construyen robots para luchar contra los Ángeles de Dios, en el episodio donde Shinji combate contra Kaworu Nagisa, se hace una referencia directa a esta composición de Goya.

Tomando el control del monstruo

Pero sorpresivamente también Goya, o alguno de sus alumnos más cercanos, nos ofrece otra perspectiva del asunto, en la famosa pintura titulada “El Coloso” cuando al asumir este sentimiento de independencia el hombre construye una imagen de sí similar a la del dios para poder combatirlo. De pronto, ante tal situación, el nuevo dios de sí mismo se percata del peligroso poder que ha adquirido capaz de controlar al universo entero situándose como centro del mismo.

Este es el vértigo reflexivo que producen títulos de anime tan emblemáticos como Mazinger, Voltron, Gundam, Patlabor o Macross por ejemplo: los seres humanos pueden asumir la divinidad de sí mismos, pero con el riesgo de producir muerte y destrucción entre sí, al ser incapaces de soportar la ingente responsabilidad que esto implica. Tal parece ser el sentido de la citada pintura “El Coloso” atribuida tradicionalmente a Goya, en donde un gigante ominoso camina sembrando el terror por un páramo en el que multitudes escapan empavorecidas.

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Abrumado por sus tormentas interiores y por la insoportable presión a la que está siendo sometido por toda la gente que le rodea en Nerv, el joven Ikari Shinji decide escapar, acompañado únicamente por su reproductor musical, hacia ninguna parte. Es impresionante el modo en el que Anno comunica en este episodio, el número cuarto, titulado “Lluvia después de que el huyera”, el aislamiento interno en el que Shinji se encuentra, la desolación extrema de su espíritu.

El pasaje en donde se abisma en su introversión en el tren suburbano, en un cine semivacío, o mientras duerme en una estación de transporte remiten directamente al Ingmar Bergman de la cinta El Silencio (1963), en donde un pequeño niño, hijo de una mujer que junto con su hermana se hallan atrapadas en un país extraño, incomprensible y ominoso, se dedica a recorrer los pasillos vacíos de un hotel alucinante sin poder entablar comunicación con nadie. El conmovedor sentido de este episodio puede ser parangonable también con la coincidencia metafísica de soledad interior y exterior, que se presenta en la pintura de Andrew Wyeth, titulada “El mundo de Christina”.

Introversión redentora

Sin embargo, en cierto punto de su escape, parece que Shinji ha llegado por fin a cierto destino concreto: luego de recorrer mucha distancia, el joven parece hallar un suave consuelo interior en la nobleza de su aislamiento, la pureza de su soledad.

Dos imágenes son claves en este sentido: la de Shinji transitando por los límites de la ciudad vacía, cuando su silueta en sombras se aprecia ínfima en comparación con los descomunales edificios enrojecidos por la luz del alba; y cuando Shinji, habiendo salido por fin de la metrópoli contempla el paisaje silvestre, y siente en el rostro una brisa proveniente de un cielo de sosiego y nubes blancas. Pareciera que Shinji al intentar fugarse de su realidad exterior, ha podido llegar hasta los límites mismos de su introversión, a logrado arribar a un borde de la realidad solo abordable por una cabal asunción de la soledad existencial propia, un sincero esfuerzo de contemplación y una mística sabiduría. En mismo sentido, podemos relacionarlo con la obra del pintor Caspar David Friedrich, titulada “El monje frente al mar”.